Любимые художники и редкие работы

[quote=igor-nz]ЗВЕРЕВ, АНАТОЛИЙ ТИМОФЕЕВИЧ (1931–1986)
Проекты, посвященные А. Звереву

• 1998 28 ноября - 25 декабря «Гетеропортрет» . Куратор – Клод Раван, 20 художников
  1999 17 ноября – 5 декабря «Зверев со товарищи». Фотографии
  2000 28 октября – 18 декабря «Зверев-Чирик. Высшая лига». Перформанс Богдана Мамонова
  2001 2 -21 ноября «Смерть как частный случай из жизни». К 70-летию А.Зверева. Игорь Соловьев. Куратор - Алексей Сосна
  2005 14-28 декабря «Зверев-Костаки. Портреты». Живопись и графика А.Зверева и Н. Костаки. Куратор - Зинаида Стародубцева
• Произведения А. Зверева в коллекциях
  ЗЦСИ
  Натальи Шмельковой
  Наталии Костаки - Владимира Зажирей
  • 107066, Москва,
    ул.Новорязанская,
    д. 29, строение 4
    (м."Бауманская") 107066, Москва,
    http://www.zverevcenter.ru/img_new/lamp1234.gif

urope +"
Герхард Рихтер в неожиданной компании

Государственный центр современного искусства
Зоологическая, 13
http://pics.afisha.ru/userimg/2006-0...Rihter_big.jpg Фотографии (5)
В последние несколько лет Герхард Рихтер серьезно изменился. Изменяться, положим, было свойственно ему всегда, Рихтера так и представляют обычно немцы: наш самый переменчивый художник, — подразумевая его способность трудиться годами в фотореализме, а затем вдруг бросить фотореализм ради насквозь противоположной фотореализму абстракции. Которую в свою очередь он бросал по прошествии лет ради инсталляционных зрелищ. А еще позже возвращался снова к живописи. Но перемена, о которой речь, серьезнее и глубже, и случилась она в самом отношении к Рихтеру: если до недавних пор это был один из самых известных немецких художников, сейчас Рихтер — один из самых известных художников в мире. То есть вообще. А мир — это совершенно другое дело, немецкий художник для мира до недавнего времени был не предмет. Для Германии, Австрии — пожалуйста: Базелиц, Рихтер, Польке, Юккер, Пенк, Раух, кто угодно, пусть только немцы имеют в виду, что это их немецкие, внутренние дела. Которые остального мира не касаются. Немецкие художники перестали быть интересными миру и истории. Память о фашистском искусстве напрочь исключила их из числа претендентов на внимание — горе побежденным! — немецкое современное искусство полагалось как такая отрыжка, что ли, американской гуманитарной помощи, еще один итог плана Маршалла, продукт переваривания американской тушенки и американского абстракционизма. Вся Европа была в сходном положении — про французов, делавших свою абстракцию, заговорили тоже ведь не сразу; немцам, понятно, было хуже всего. Если сравнивать с американскими фотореалистами, Рихтер писал — как будто с других фотографий, да и все у него другое: и приемы, и сюжеты, и смысл совсем не американский. А главное, был он раньше. Потому триумф Рихтера, случившийся в начале 2000-х, — ретроспектива в Музее современного искусства Нью-Йорка, затем ее гастроли по музеям США — это был род как бы реабилитации, не просто признание. Еще чуть раньше Рихтера случилась ретроспектива Зигмара Польке — но не такая, как у Рихтера: Польке изначально был все же похож больше на поп-арт, нежели на что-то свое, уникальное, европейское, непереводимое. Как и Польке, и даже в одной компании с ним, Рихтер тоже начинал с поп-арта. Но если американский поп-арт был увлечен тиражируемыми образами рекламы и тем, как можно эту тиражность преобразить, Рихтера увлекла другая тиражность, фотографическая. Товарную форму он поменял на фотографию с первых полос; Польке остался при всем своем разнообразии; Польке слишком весел — в реабилитации такое искусство как будто меньше нуждается; будучи вторичной переработкой образов, поп-арт в смысле первой роли всегда как-то… Короче, для реабилитации был назначен Рихтер. Художник, который ваял большие картины (то есть способен на многое), которые очень точно повторяли то, откуда они были срисованы (то есть художнику можно доверять). Теперь он самый дорогостоящий художник современности (более 9 млн у.е. за картину раннего, фотореалистического периода).
Как первейшее достоинство ретроспективы самого дорогостоящего называется участие самого Рихтера в подготовке этого представительного (вот еще одно достоинство), хоть и небольшого (и еще одно) собрания: де, он сам выбрал этот состав работ, назвал свои «точки силы», перечислил всю номенклатуру Рихтера, где есть Рихтер и ранний, и поздний, по фотографиям и абстрактный. Где к некоторому количеству живописных оригиналов из числа позднейших абстрактных вещей (их Рихтер уже не называл, а просто датировал — «26.10.96», «27.10.96», «28.10.96») присовокуплены сибахромные репродукции его хрестоматийных ранних работ — их вот так запросто, конечно, теперь не собрать: абстракция 70-х, не говоря про фотореализм 60-х, слишком дорого стоит. Это, конечно, обидно, что вместо оригиналов везут сибахромы, ведь не сибахромами-то он знаменит, не за сибахромы платят миллионы. Только что завершились петербургские гастроли этой скорее модели, нежели полноценной рихтеровской ретроспективы, где следовало довольствоваться тем, что есть, за неимением большего; московскую публику, впрочем, ждет большее. Здесь Рихтер — по идее куратора Виталия Пацюкова — получит подкрепление в виде двух десятков перетонированных фотографий конца 80-х Бориса Михайлова, классических «карточек» Льва Рубинштейна, последних аудиоинсталляций Владимира Тарасова и нового заголовка: что бы он ни значил, этот заголовок, он довольно точно описывает способ делать выставки больших художников путем несложного арифметического действия.
Константин Агунович © ЗАО Афиша Индастриз. Все права защищены

Леонардо да Винчи


Леонардо да Винчи. Неизвестный автопортрет
Максимальное увеличение


Леонардо да Винчи. Мона Лиза, или Джоконда
Около 1506
Лувр. Париж


Леонардо да Винчи. Автопортрет
Около 1511
Туринская библиотека


Леонардо да Винчи.
Полупрозрачный перевернутый слой
туринского Автопортрета,
слой Неизвестного автопортрета
Леонардо да Винчи
2005
Компьютер Чугунного Козьмы


Леонардо да Винчи.
Двуслойный Неизвестный автопортрет
Леонардо да Винчи
2005
Галерея Чугунного Козьмы


Леонардо да Винчи. Проект танка
с левонаправленной надписью
зеркальноотраженного шрифта


Леонардо да Винчи. Тайная вечеря
Монастырь Санта-Мария делла Грацие. Милан


Леонардо да Винчи.
Модель конного памятника Франческо Сфорца
Музей Изобразительных искусств. Будапешт


Рафаэль. Автопортрет с учителем фектования
Фрагмент
Около 1516
Лувр. Париж

Сравните прическу Рафаэля и Джоконды
на портрете Леонардо да Винчи,
а также вырез их верхней одежды.


Нумерологический гороскоп
Леонардо да Винчи уникален.
У Леонардо да Винчи, единственного из почти
10000 всемирных знаменитостей разных эпох,
внутри квадрата Пифагора оказался свой
целостный квадрат Леонардо,
космос в космосе с потрясающей энергетикой.

АВТОПОРТРЕТ ЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИ
в Новостях вечности за 2005 год


2006 год
500 лет главной портретной картине мирового искусства

НЕИЗВЕСТНЫЙ АВТОПОРТРЕТ
ЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИ

в Галерее Чугунного Козьмы

Не по частям водочерпательницы, но по совокупности ее частей
суди об ее достоинствах.
Козьма Прутков

Существует версия, согласно которой, портрет Моны Лизы — это тайный автопортрет Леонардо да Винчи. Насколько она верна, теперь, любитель искусства, ты можешь судить сам. Компьютер Чугунного Козьмы набросал новый автопортрет Леонардо да Винчи, совместив со знаменитой картиной известный автопортрет художника. Полученное таким образом изображение оказалось созданным рукой самого художника. В нем нет ни единой линии, пририсованной к кисти и карандашу великого мастера, равно как нет ни единой линии одной и другой работы Леонардо да Винчи, которая бы исчезла. Поэтому это изображение — не компьютерный портрет Леонардо да Винчи, а именно его новый автопортрет, написанный рукой художника и только его рукой с использованием компьютерной технологии.
Однако, обо всем по-порядку, включая домыслы и технологию.

http://www.artres.com/LowRes2/TR3/F/W/V/S/ART66547.jpg
Эдвард Мунк (1863-1944)
© Американское ракетное общество, НЬЮ-ЙОРК
Крик. 1893. Темпера и пастель на картоне, 91 x73.5см.

http://canvas.com.ua/galery/119/18413.jpg
"Два человека. Одиночество"
Мунк Эдвард
"Автопортрет с бутылкой вина"
Мунк Эдвард
"Расставание" 1896 г.
Мунк Эдвард

Ив Клайн
http://www.yvesklein.org/

Heckscher Museum of Art
2 Prime Avenue Huntington NY 11743-7702
Колин Кампбелл Купер, американский Импрессионист
http://www.heckscher.org/images/cooper_broadway.jpg
http://www.heckscher.org/images/coop...ionofhonor.jpg
http://www.heckscher.org/images/cooper_tajmahal.jpg

14 ноября 2006 - 28 января 2007
Ретроспектива
Колин Кампбелл Купер, американский Импрессионист
берет широкое представление работы Купера. Это иллюстрирует виртуозность художника с различными предметами более чем несколько десятилетий, включая американские здания и пейзажи, европейские архитектурные памятники, Тадж Махал, и фигуральные работы. Вместе, эти работы формируют картину честолюбивого, странствующего, и мирского художника, который добывал, много критически провозглашает с картинами, которые являются технически замечательными так же как чувствительными, интерпретации Импрессионистической атмосферы и света.
***
Карьера Колина Кампбелла Купера (1858-1937) определена двумя периодами: его образование и зрелость как художника Ист-Коста, и его переселение, в более поздних годах, к западному побережью. Хвалят ли живописца на Востоке или Западе, Купер и был объявлен как существенный художник - Импрессионист, который захватил дух его среды. Оптимистические картины Купера финансового района Нью-Йорка, начинающегося в повороте двадцатого столетия буквально помогли идентифицировать новый аспект американского пейзажа: современный городской центр с его духом обещания и прогресса. Купер был очарован современной городской архитектурой; более определенно, небоскребы, которые преобразовывали нью-йоркский горизонт. Общественное мнение было разделено относительно эстетических достоинств этих зданий. Некоторыми чтобы понизить Нью-Йорк, с его группой небоскребов, как “потерянный зуб” секциями, как это напоминали челюсть старой ведьмы. Купер, однако, охватил современность и прогресс представленных структур. Его работы праздновали темп городской жизни и метаморфозы городского пейзажа этими архитектурными памятниками в городах типа Нью-Йорка, Чикаго, и Филадельфии.
Ко времени Медь двигалась в Санта-Барбару в 1921, после смерти его жены Эммы, он уже начал отворачиваться от таких изображений высокой архитектурной новизны к старшему, более традиционному, и, возможно, естественному видению Америки. Это иллюстрировалось бы картинами Купера Калифорнийских миссий, закончил, в то время как художник посещал Сан-Франциско и устраивал выставки в Сан-Диего в 1915 и 1916. Он присоединился к факультету в Школе Санта-Барбары Искусств. Не удивительно, Западная архитектура Побережья очаровывала его особенно доминирующее испанское и мексиканское влияние. Но он был также вдохновлен разнообразием Западной флоры, особенно пышные сады, выходящие за пределы с уникальными разновидностями растений. В то время как Купер принимал ведущую роль в художественном сообществе Санта-Барбары, он никогда не терял его связи с Востоком, одновременно поддерживая студию в Нью-Йорке много лет.
Художник накопил обширный список почестей и признаний в течение его длинной и производительной карьеры. Обученный в школе Академии Штата Пенсильвания Искусств и в Aкadеmии Юлиан в Париже, он показал всюду по Соединенным Штатам и в Европе. Он был членом важных национальных клубов искусств и избирался национальным Академиком в 1912. Купер был бесстрашным путешественником, делая запись впечатлений от Европы, Индии, и Бирмы.
Хотя его обучение и признание должны были гарантировать художнику место в пределах господствующей тенденции американского Импрессионизма, он был или исключен, или незначительно признан в литературе. Подобно судьбе других американских Импрессионистов, которые проводилипоследнюю часть своих карьер в Калифорнии, его отсутствие из Ист-Коста, возможно, в конечном счете внесла вклад в недостаток интереса к его работам. Однако, недавние , сосредотачивающиеся на взаимных потоках между Восточными и Западными Импрессионистами Побережья, наряду с переоценкой культурного климата в начале двадцатого столетия Америка, делают выставку работы Купера и существенный и своевременный.
****
Выставка Купера - компания-curated доктором Уильямом Х. Gerdts и доктор Дебора Солон Эпштейна. Доктор Джердтс концентрируется на работе художника над Ист-Костом, и доктор Солон исследует его карьеру в Калифорнии. Выставка включает приблизительно шестьдесят пять работ и сопровождается главным каталогом доктором Джердтсом и доктором Солоном, издал Гудзонским Печатью Холмов, Нью-Йорк.
Изображения:
Колин Кампбелл Купер, Бродвей, 1909, масло на холсте. Любезность Biggs Музея Американца Арта, Дувра, Делавэра
Колин Кампбелл Купер, Taj Mahal, День, c. 1913, масло на холсте. Частное Собрание. Любезность фотографии Sullivan Goss – американская Галерея
Колин Кампбелл Купер, Дворец Искусств, Сан-Франциско, 1916, масло на холсте. Крокер Арт Музуеум, Сакраменто, Калифорния, подарок Хелене Зелеи в памяти о Г. и госпоже К. C. Купер; сохраненный с фондами, обеспеченными г. Джеральдом Д. Гордон через Подарки, чтобы Разделить программу.
Copyright © 2006 Heckscher Museum of Art. All rights reserved.

Chagall
http://www.masterworksfineart.com/in...l/nights5a.jpg
ARTIST: Marc Chagall (1887-1985)
TITLE: Plate 13 from the book Four Tales From the Arabian Nights (1948)
MEDIUM: Original Color Lithograph
IMAGE SIZE: 14 ½" x 11 ¼" (37 x 28.5 cm)
SHEET SIZE: 16.9" x 13" (43.5 x 33 cm)
FRAMED SIZE: 35" x 31.25" (88.9 x 79.38 cm)
SIGNED: This work is hand signed by Marc Chagall (1887-1985) in pencil in the lower right.
Вдохновленный от рассказов аравийских Ночей, Chagall волшебно обновляет эту заключительную сцену(место) с глубоким, смелым reds, бриллиант yellows, и ошеломляющий блюз. Эта редкая литография - вне издания только 10 других книг, содержащих Пластину 13.
Созданный в 1948, эта работа была частью ряда 13 литографий, сделанных, чтобы иллюстрировать Четыре Рассказа с аравийских Ночей. Только 10 копий (плюс несколько доказательств художника) этого изображения были сделаны. Также было дополнение 90 копий, содержащих 12 других цветных литографий от ряда. Эта часть, которая содержит по крайней мере 7 или 8 цветов, была напечатана Альбертом Карманом, Нью-Йорком и издана Книгами Пантеона, Нью-Йорком. Это - рука, подписанная в более низком праве в карандаше художником.
Захватывая случай, в котором наши два главных героя начинают влюбляться, они показаны здесь на подушке бриллианта reds, ниже красивого ночного неба и яркого yellows полной луны, кто берет форму ангельскей птицы. Выдержка из соответствующего текста с аравийских Ночей следующие:
Тогда сказанный Король в себе, " Аллахом, я не буду убивать ее, пока я не слышал следующий из ее рассказа. " Так что они спали остальная часть той ночью во взаимном объятии, пока день наконец не тормозит …
На приглашении на Нью-Йорк от Музея Современного Искусства, Chagall согласился создать этот ряд литографий, иллюстрирующих эти Четыре Рассказа как польза его другу, Жак Шиффрен чья фирма, Книги Пантеона, издавал ряд работ французскими авторами. Результатом был ряд изданий, показывающих эти цветные литографии, включая Пластину 13.

lococofineart

Joe Andoe
Donald Baechler
Ross BlecknerGreg BoginJames BrownWilliam S. BurroughsFrancesco ClementePeter HalleyKeith HaringDavid HockneyChristopher MakosJohn "Crash" MatosJulian SchnabelTom SlaughterPaul SolbergDonald SultanErnest TrovaBernar Venet
Andy Warhol
http://www.lococofineart.com/

Павел Филонов

http://www.abcgallery.com/F/filonov/filonov1.html
(1883 - 1941)
Биография

1-20 21-40 41-60 61-80 81-99

Павел Филонов в Artprice.

Чтобы смотреть на рекорды аукциона, найдите работы Филонова на наступающих аукционах, проверьте ценовые уровни и индексы для его работ, читайте его биографию и рассматривайте его подпись, получайте доступ к Artprice базе данных. Павел Николаевич Филонов род. 8 января 1883 в Москве, шестым ребенком в семье. Его отец умер в 1887, и его мать стала прачкой, чтобы поддержать большое семейство. Дети работали также, даже Павел, самый молодой, помогал сестрам вышивать полотенца и продавать их на рынке.
В возрасте 6 лет Павел начал танцевать в корпусе de балет в маленьких Московских театрах, чтобы заработать на проживание. В 1896 его мать умерла. К этому времени старшая сестра Павла, Александра, была замужем за зажиточным инженером. Ее муж взял всех его родственников со стороны супруги в Санкт-Петербург и дал им всем приличное образование.
Павел, который показал интерес к живописи уже в возрасте 3-4 лет, начал изучать искусство и ремесла в Школе Общества Поощрения Искусств. Так как его главная торговля, он изучил художественное оформление дома, становиться украшением и штукатуркой, формующей живописца, при также посещении вечерних рис. классов. В 1901, Филонов закончил школу с дипломом мастера-живописца и работал над различными рабочими местами, от стены, окрашивающей к восстановлению plafonds в Эрмитаже. В 1903 Филонов пробовал войти в Академию Искусств, но неудавшийся во вступительных экзаменах. Далее...
Olga's Gallery

Рисунок Босха
http://www.masterworksfineart.com/in...bosch/aweb.jpg
Щелчок здесь, чтобы Рассмотреть Дополнительные Картины и Историческое Описание

Название: Последнее Суждение
(Триптих сосредотачивает группу)
(circa 1550-60)
Medium: Engraving on 16th century fine laid paper
Image Size: 13 ¼" x 9 ¼" (33.7 x 23.5 cm)
Framed Size: 22 ¼" x 18 ¾" (56.5 x 47.5 cm)
Edition: From the rare 2nd State impression.
Signed: Signed in the plate Michel Snyders in the lower right.

http://portret-fotoart.e-gloryon.com/9013375038
Здесь собраны одни из лучших его работ...
Наиболее полную информацию можно найти на сайте внизу (моя подпись)

Балла Джакомо
Бекман Макс
Вазарели Виктор
Гончарова Наталья Сергеевна
Грис Хуан
Дали Сальвадор
Джонс Джаспер
Дюшамп Марсель
Жаннере Шарль Эдуар (Ле Корбюзье)
Кандинский Василий Васильевич
Клее Пауль
Кунинг Виллем Де
Ларионов Михаил Фёдорович
Матисс Анри
Малевич Казимир Северинович
Мондриан Пит
Озанфан Амеде
Поллок Джексон
Пикассо Пабло
Руссо,Анри Жюльен Феликс
Уорхол Энди
Франтишек Купкa
http://iskysstvoxxvek.narod.ru/hh.htm

Босх
Можно называть Босха еретиком, проповедовавшим своим искусством неверие, или религиозным человеком с ироническим складом ума. Можно найти еще массу всяких слов. Но, видимо, главное в том, что он всегда современен.
Точная дата рождения Иеронима Босха неизвестна. Предполагают, что он родился около 1450 года, а начало его творчества относится к середине 70-х годов XV века. Дошедшие до нас документы упоминают о Босхе как об исполнителе живописных работ для городского собора св. Иоанна и члене религиозного "Братства Богородицы". В конце жизни он выполнял заказы для бурдгунского двора, что говорит о его признании современниками.
Слава Босха закатывается в XVII веке. И только в нашем веке его имя открыли заново
http://aeken-bosch.chat.ru/bosch.jpg
http://aeken-bosch.chat.ru/index2.htm
http://aeken-bosch.chat.ru/

Фернан Леже
Джозеф Фернан Энри Леже род. 4 февраля 1881, в Нейзильбере, Франция. После учёбы с архитектором в Канах с 1897 до 1899, Леже улаженный в Париже в 1900 и поддержанный непосредственно как архитектурный чертежник. Ему отказывали во входе в Художественное училище, но однако посетил классы там как начинающий в 1903; он также учился в Acadйmie Юлианском. Lйger’s самые ранние известные работы, который дата с 1905, прежде всего влияли Импрессионизм [:popUp('glossary_Impressionism.html', 450, 379);" target="_blank">больше]. Опыт наблюдения Пауля Cйzanne ретроспектива в Салоне d’Automne в 1907 и его контакте с ранним Кубизм [:popUp('glossary_Cubism.html', 450, 379);" target="_blank">больше] Пабло Пикассо и Джорджеса Брака имел чрезвычайно существенное воздействие на развитие его личного стиля. С 1911 до 1914, Lйger’s работа стал все более и более абстрактным, и он начал ограничивать его цвет первичными выборами и черно-белый. В 1912, ему давали его первый показ соло в Galerie Kahnweiler, Париже.
Lйger обслуживаемый в военных с 1914 до 1917. Его "механический" период, в который фигуры(числа) и объекты характеризованы трубчатыми, подобными машине формами,начался в 1917. В течение начала 1920-ых, он сотрудничал с автором Блезом Сендраром на фильмах и разработал наборы и костюмы для действий Рольфом de Marй’s Балет Suйdois; в 1924, он закончил его первый фильм без заговора(участка), Балет mйcanique. Lйger открыл ателье с Amйdйe Ozenfant в 1924 и в 1925 представил его первые фрески в Pavillon Ле Корбюзьеа de l’Esprit Nouveau в " Интернационале " Выставки des искусства dйcoratifs. В 1931, он посетил Соединенные Штаты впервые. В 1935, Музей Современного Искусства, Нью-Йорка, и Художественного Института Чикаго представил выставку его работы. Lйger жил в Соединенных Штатах с 1940 до 1945, но возвратился к Франции после войны. В десятилетие перед его смертью, Lйger’s всесторонние проекты включенные книжные иллюстрации, монументальные картины фигуры и фрески, витражи, мозаики, многохромовые керамические скульптуры, и набор и проекты костюма. В 1955, он выиграл Великий Приз в Sгo Пауло Бьенале. Леже умер 17 августа от того года, в его доме в Gif-sur-Yvette, Франции. Musйe Фернан Lйger был введен в должность в 1960 в Biot, Франции.
http://www.guggenheimcollection.org/...orks_87_0.html

Тёрнер
Tate имеет наибольшее собрание работ J М. W Turner в мире. Эти выборы были собраны Turner экспертами Тэйт, чтобы выдвинуть на первый план некоторые из ключевых работ и интересных тем, которые пробегают собрание.
http://www.tate.org.uk/collection/N/N00/N00480_7.jpg
Десятилетие 1800-1810
Turner получил полное профессиональное признание в течение этого десятилетия. В 1802 он был избран в Королевскую Академию и в 1807 был назначен Профессором Перспективы для Королевских школ Академии. Это десятилетие видит начало сложного проекта печати художника, Liber Studiorum: ряд mezzotints демонстрация шести категорий предметов. Тернер совершал поездку по Шотландии летом 1801, производя большое количество энергичных эскизов карандаша пейзажа. Его поездка к континенту в июле 1802 позволила Тернеру наблюдать и делать набросок драматического пейзажа Альп впервые. На посещении Парижа по его возвращению из Швейцарии, Тернер изучил картины Poussin и Золотисто-каштановый в Лувре. Эти художники оставили длительное впечатление на Тернера, и их влияние может быть замечено в его последующей работе. http://www.tate.org.uk/collection/D/D24/D24666_7.jpg
Популярные Темы: Закаты/Восходы солнца
За несколько недель до его смерти в 1851, прикованный к постели и полусознательный Тернер, как говорят, произнес часто-указанную фразу 'солнце - Бог'. Конечно, сотни работ в течение его карьеры были посвящены изучению солнечного света и эффектов света на пейзаже. Этот выбор демонстрирует способность художника делать запись драматических и красивых эффектов восхода солнца и заката в разнообразии СМИ. Также удивительно видеть, как переходные эффекты, захваченные Тернером были успешно переведены на черно-белый гравёром как работы в их собственном праве. http://www.tate.org.uk/servlet/Brows...upid=999999951

Автор: А. М. Скворцов
Название: "Д. Г. Левицкий".
1916 г. изд.
Размер файла: 1,44 Мб
Перейти к скачиванию книги...

http://www.biografia.ru/knigi12.html

Джорджо де Кирико
Галерея живописи Small Bay

http://smallbay.ru/images/chirico00.jpg
http://smallbay.ru/images/chirico1_small.jpg

Джорджо де Кирико (Giorgio de Chirico) (1888–1978),
итальянский художник и теоретик искусства, считается одним из предвестников сюрреализма в современной живописи. Джорджо де Кирико родился в греческом городе Волос 10 июля 1888. Учился в Высшей художественной школе в Афинах и в Академии художеств в Мюнхене. Увлечение философией Ф.Ницше и аллегорической живописью А.Бёклина способствовало появлению у де Кирико интереса не к принципам академического реализма, а к толкованию загадочных символов, снов и галлюцинаций. В 1908–1911 он жил в Италии, в основном во Флоренции, с 1911 – в Париже, а с началом Первой мировой войны вернулся в Италию. Между 1908 и 1917 де Кирико создал свои самые значительные произведения – серию видов пустынных городских площадей и натюрмортов, состоящих из совершенно не связанных друг с другом предметов. Даже названия этих работ, такие, как "Ностальгия по бесконечности" (1913) и "Меланхолия улицы"(1914), указывают на стремление автора наполнить самые обыденные ситуации ощущением опасности и ирреальности. В 1915–1919 Джорджо де Кирико и Карло Карра сформулировали теоретическое обоснование своего искусства, положив начало течению метафизической живописи в итальянском искусстве. В 1920-е годы художник обратился к созданию романтических вариаций на классические сюжеты. Ранние работы Джорджо де Кирико оказали существенное влияние на формирование сюрреализма и творчество таких его представителей, как Макс Эрнст, Ив Танги, Сальвадор Дали. По словам его основателя и идеолога Андре Бретона, только произведения де Кирико дали возможность выразить программу сюрреалистов средствами живописи. В 1945 художник опубликовал автобиографию "Воспоминания о моей жизни".
Умер Джорджо де Кирико в Риме 20 ноября 1978.
http://smallbay.ru/chirico.html

Андрей Рублёв

Материал из Википедии — свободной энциклопедии

http://upload.wikimedia.org/wikipedi...ublev-1410.jpg http://ru.wikipedia.org/skins-1.5/co...gnify-clip.png
Андрей Рублёв,
«Святая Троица» (1410)

Андре́й Рублёв (около 1360—1370 — 1427, по другим источникам [29 января]
1430, Москва; погребён в Андрониковом монастыре) — выдающийся мастер московской школы иконописи, книжной и монументальной живописи XV века. Русской православной церковью канонизирован в 1988 г. в лике преподобного.

Содержание

1 Биографические сведения
2 Мировоззрение
3 Творчество
4 Литература
5 Ссылки

Биографические сведения

Биографические сведения о Рублёве крайне скудны: воспитывался в светской среде, в зрелом возрасте принял монашеский постриг, по-видимому в Троице-Сергиевом монастыре, по другим исследованиям, в Андрониковом монастыре. Андрей — монашеское имя; мирское имя неизвестно (скорее всего, по тогдашней традиции, оно тоже начиналось на А). Сохранилась икона, подписанная «Андрей Иванов сын Рублёв»; она поздняя и подпись явно поддельная, но, возможно, является косвенным свидетельством того, что отца художника действительно звали Иваном. Творчество Рублёва сложилось на почве художественных традиций Московской Руси; он был хорошо знаком также с византийским и южнославянским художественным опытом.

Мировоззрение

http://upload.wikimedia.org/wikipedi...7s_saviour.jpg http://ru.wikipedia.org/skins-1.5/co...gnify-clip.png
Андрей Рублёв, Спас из Звенигородского чина, рубеж XIV—XV веков

На формирование мировоззрения Рублёва большое влияние оказала атмосфера национального подъёма 2-й половины XIV — начала XV веков, для которого характерен глубокий интерес к нравственным и духовным проблемам. В своих произведениях в рамках средневековой иконографии Рублёв воплотил новое, возвышенное понимание духовной красоты и нравственной силы человека. Эти качества присущи иконам Звенигородского чина («Спас», «Апостол Павел», «Архангел Михаил», все — рубеж XIV—XV веков, по другим исследованиям, 10-е годы XV века, Третьяковская галерея), где лаконичные плавные контуры, широкая манера письма близки приёмам монументальной живописи.
В конце XIV — начале XV веков (по другим исследованиям, около 1412 или около 1427) Рублёв создал свой шедевр — икону «Троица» (Третьяковская галерея). Традиционный библейский сюжет Рублёва наполнил глубоким поэтическим и философским содержанием. Отойдя от традиционных канонов, он поместил в центре композиции единственную чашу (символизирующую жертвенную смерть), а её очертания повторил в контурах боковых ангелов. Центральный (символизирующий Христа) ангел занял место жертвы и выделен выразительным контрастом пятен темно-вишнёвого и голубого цветов, оркестрованным изысканным сочетанием золотистых охр с нежным «голубцом» и зеленью. Вписанная в круг композиция пронизана глубокими круговыми ритмами, подчиняющими себе все линии контуров, согласованность которых производит почти музыкальный эффект. «Троица» рассчитана на дальнюю и ближнюю точки зрения, каждая из которых по-разному раскрывает богатство оттенков, виртуозную работу кисти. Гармония всех элементов формы является художественным выражением основной идеи «Троицы» — самопожертвования как высочайшего состояния духа, созидающего гармонию мира и жизни.

Литература
Алпатов М. В., Андрей Рублёв, М., х1959;
Демина Н. А., «Троица» Андрея Рублёва, М., 1963;
Лазарев В. П., Андрей Рублёв и его школа, М., 1966;
Плугин В. А., Мировоззрение Андрея Рублёва, М., 1974;
Бетин Л. В., О происхождении иконостаса Благовещенского собора Московского Кремля, в сборнике: Реставрация и исследование памятников культуры, в. 1, М., 1975.
Сергеев В. Н., Рублев. — 2-е изд. — М. Мол.гвардия, 1986. — 254с., ил. — (Жизнь змечат. людей. Сер. биогр. Вып. 8 (818)).

БИОГРАФИЯ Василий Васильевич Кандинский родился 4 декабря 1866 года в Москве в семье торговца чаем. В 1871 году семья будущего художника переезжает в Одессу. Там же Кандинский заканчивает классическую гимназию, получает также художественное и музыкальное образование. В 1886 поступает в Московский Университет на юридический факультет, закончив его спустя шесть лет, одновременно с женитьбой на своей кузине Анне Шемякиной. В 1893 году защищает диссертацию на тему «О законности трудовой заработной платы», три года спустя- переезд в Мюнхен, изучение искусств в художественной школе Ашбе. На курсах Франца фон Штука Кандинский знакомится со швейцарцем Паулем Клее, будущим другом и соратником.
1901 год- основание творческого союза «Фаланга», знакомство с немецкой художницей Габриэлой Мюнтер, первые совместные выставки…
Сентябрь 1904 года- развод с женой, дальнейшее сближение с Габриэлой…
В 1911 году Кандинский вступает в новое, более мощное, творческое обьединение «Синий Всадник», основанное Францем Марком. 1910-11 года- по сути открытие абстракционизма («Первая абстрактная акварель» 1910-13, «Композиция 5»,1911, «Импровизация 20»,1911)…
1914 год- возвращение в Россию (Москва), окончание отношений с Мюнтер.
1917 год- женитьба на Нине Андреевской, дочери генерала. С приходом советской власти, Кандинский занимает высокие позиции в Наркомпросе, участвует в открытии новых музеев в провинции, жертвуя им свои картины…Первый (но не последний) пик творчества- картины «Синий гребень», 1917, «Сумеречное», 1917, «Южное», 1917, «Сумерки», 1917, «Картина с точками», 1919, «В сером», 1919…
В декабре 1921 года Кандинский возвращается в Германию, участие в деятельности «Баухауза». Тремя годами позже- обьединение в «Синюю четвёрку» с Паулем Клее, Лайонелем Фейнингером и Алексеем Явленским.
В 1937 году картины Кандинского вместе с другими художниками-авангардистами были показаны на инспирированной Гитлером выставке «Дегенеративное искусство»… Начинаются трудные времена. Кандинский принимает французское гражданство, военные годы проводит в Париже. Последний и, возможно, главный пик творчества- техника «биоморфных абстракций» («Доминирующая кривая», 1936, «Композиция 10», 1939, «Вокруг круга, 1940, «Различные происшествия», 1941, «Двойной аккорд», 1942)

13 декабря 1944 года Кандинский умирает в Нейи-сюр-Сен от артериосклероза.

В.Кандинский в Париже
ССЫЛКИ
(Биография и статьи)
В.Кандинский "О понимании искусства"
"Звучание живописи (В.В.Кандинский)"
И.Ванечкина, Б.Галеев "Кандинский и Скрябин: мифы и реальность"
http://kandinsky44.narod.ru/

Поль Сезанн (Сezanne Paul).

Биография с 1839го по 1906ой

СЕЗАНН Поль (1839-1906) -
французский живописец, один из крупнейших представителей постимпрессионизма. Учился в Экс-ан-Провансе в Муниципальной школе рисования (1858-1860), посещал академию Сюиса в Париже.
Ранний период творчества П. Сезанна принято условно называть романтическим или барочным (I860-1872). В эти годы художник получает первые уроки живописи сначала у Ж.Жибера в Школе изящных искусств при музее своего родного города Экса, а затем самостоятельно работает в Париже, где посещает академию Сюиса. В кафе Гербуа встречается со своими сверстниками: К.Моне, К.Писсарро, О.Ренуаром, А.Гийоменом. Живопись П.Сезанна тех лет резко отличается от всего того, чем занимались его единомышленники. Так, в отличие от К.Моне, интерес которого был полностью сосредоточен на непосредственном зрительном восприятии природы, П.Сезанн создает свой фантастический мир и пытается выразить в нем всю гамму человеческих страстей.

Картины Поля Сезанна

http://paul-cezanne.narod.ru/pictures/1.jpg
Поль Сезанн. Похищение. 1867
Холст, масло, 89.5x115.5, Фитцвильям музей, Кэмбридж Живя с постоянным ощущением сложности окружающего мира, П.Сезанн не мог оставаться в рамках простой созерцательности и правдивого отображения увиденного. Он всегда стремился акцентировать внимание зрителя на том, что для него было главным в картине. С этой целью он деформировал фигуры, создавал композиции с неустойчивым равновесием, использовал насыщенные темные краски, положенные большими массами ("В комнатах", 1860-е гг., ГМИИ, Москва). К концу 1860-х гг. живописная манера П.Сезанна меняется в сторону большей сдержанности и строгости композиции ("Девушка у пианино", или "Увертюра к "Тангейзеру", 1867-1869, Эрмитаж, Санкт-Петербург).

http://paul-cezanne.narod.ru/pictures/2.jpg
Поль Сезанн. Девушка у пианино (Увертюра к "Тангейзеру"). ок. 1868
Холст, масло, 57.8x92.5, Эрмитаж, Санкт-Петербург Для импрессионистического периода (1872-1879) характерны приближенная к реальной жизни интерпретация образов, тонкая передача световоздушной среды и более светлая цветовая гамма. Основным жанром для Сезанна становится пейзаж, а единственным объектом наблюдения - природа. В 1872-1873 гг. он работает в Овере, затем в Понтуазе, где сближается с К.Писсарро. Очень часто художники работают над одним и тем же мотивом, используя при этом разные выразительные средства ("Дорога в Понтуазе", ок. 1876, ГМИИ, Москва). В Овере Сезанн начинает писать натюрморты с цветами, что помогает ему острее почувствовать окружающую его природу. Работая над натюрмортами, он вырабатывает свою неповторимую цветовую гамму: сочетание сизо-голубого и оранжево-желтого тонов ("Букет цветов в вазе", 1873-1875, Эрмитаж, Санкт-Петербург).

http://paul-cezanne.narod.ru/pictures/3.jpg
Поль Сезанн. Букет цветов в голубой вазе. 1873-75
Холст, масло, 55.2x46, Эрмитаж, Санкт-Петербург Так называемый конструктивный период творчества П.Сезанна (1879-1888) совпадает с вершиной его мастерства и отличается гармоничным сочетанием массивных форм и строгой композиции ("Фрукты", 1879-1882, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Изображению нестойких мимолетных явлений природы, что с таким мастерством делали импрессионисты, препятствовала материально-конструктивная основа восприятия мира, свойственная П.Сезанну. Поэтому в этот период, когда он в совершенстве овладел передачей световоздушной среды, художник усиливает структурно-предметные элементы своих композиций ("Пьеро и Арлекин", 1888, ГМИИ, Москва; "Мост на Марне в Крейтеле", 1888, ГМИИ, Москва).

http://paul-cezanne.narod.ru/pictures/4.jpg
Поль Сезанн. Мост через Марну в Кретее (Берега Марны). 1888-94
Холст, масло, 71x90, ГМИИ им. А.С.Пушкина, Москва В синтетический период (1888-1899) П.Сезанн создает цельный, устойчиво-подвижный образ природы. Гибкие и пластичные мазки мастера одновременно создают форму и намечают пространство, они словно цепляются друг за друга, формируя единую, неразрывную структуру полотна. Человеческие фигуры не противостоят пейзажному фону, они так же, как окружающая их растительность, пронизаны светом и воздухом ("Купальщики", 1890-1892, Музей Орсэ, Париж). Художник очень часто обращается к теме купания, воплощая в ней свой идеал свободного человека, живущего в гармонии с природой. С воспоминаниями о счастливой юности связан у П.Сезанна образ высокой сосны, отбрасывающей благодатную тень. Перенося этот образ на холст, художник стремился решить проблему слияния предмета с окружающим его пространством и выразить ощущение меняющегося и в то же время вечно существующего мира природы ("Большая сосна близ Экса", 1890, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Этот интерес к соотношению изменяющегося и постоянного наиболее ярко отразился в его поздних натюрмортах ("Натюрморт с драпировкой", 1898-1899, Эрмитаж, Санкт-Петербург). Портретные композиции П.Сезанна лишены психологической, социальной и индивидуальной характеристик, но люди, представленные на них, всегда значимы, а порой даже монументальны ("Курильщик", 1890-1896, Эрмитаж, Санкт-Петербург; "Дама в голубом", ок. 1899, Эрмитаж, Санкт-Петербург).

http://paul-cezanne.narod.ru/pictures/5.jpg
Поль Сезанн. Курильщик. 1890-92
Холст, масло, 92.5x73.5, Эрмитаж, Санкт-Петербург 1900-е гг. отмечены появлением так называемой спонтанной живописи в его творчестве: композиция картины не продумывается заранее, она возникает как бы сама по себе в процессе работы. Мужественно-суровая палитра художника начинает приобретать лирические оттенки ("Голубой пейзаж", 1900-е, Эрмитаж, Санкт-Петербург).

http://paul-cezanne.narod.ru/pictures/6.jpg
Поль Сезанн. Изгиб лесной дороги. 1902-06
Холст, масло, 81.3x64.8, Коллекция д-ра Руф Бэквин Все чаще на его полотнах появляется изображение горы св. Виктории как символа величия и неделимости вселенной ("Гора св. Виктории, 1900, Эрмитаж, Санкт-Петербург).

http://paul-cezanne.narod.ru/pictures/7.jpg
Поль Сезанн. Гора св. Виктории. 1897-98
Холст, масло, 81x100.5, Эрмитаж, Санкт-Петербург

http://paul-cezanne.narod.ru/