Коллажи

Jiri Kolar collages

http://www.hilger.at/547_EN?modul=tabelle&form=img&action=show&table=hi lger/custom/489&field=bild_gross_m400breit&head=jpeg&pos=48666 0
JiriKolar
Portrait de Pierre Alechinsky, 1981
collage on wood
90 x 65 cm

http://www.hilger.at/547_EN?modul=tabelle&form=img&action=show&table=hi lger/custom/489&field=bild_gross_m400breit&head=jpeg&pos=48626 1
JiriKolar
Hommage а Bauedelaire, 1973
collage on wood
70 x 90 cm
http://www.hilger.at/360_DE.gifhttp://www.hilger.at/547_EN?modul=tabelle&form=img&action=show&table=hi lger/custom/489&field=bild_gross_m400breit&head=jpeg&pos=17304 6
Jiri Kolar
Nature morte II, 1981
Plateau (4objects)
buste-briquet -noix-boite йcrasйe
31 x 65 x 50 cm
http://www.hilger.at/547_EN?modul=tabelle&form=img&action=show&table=hi lger/custom/489&field=bild_gross_m400breit&head=jpeg&pos=48825 6
Jiri Kolar
Paysage masque, 1981
collage
100 x 70 cm

http://www.hilger.at/547_EN?modul=tabelle&form=img&action=show&table=hi lger/custom/489&field=bild_gross_m400breit&head=jpeg&pos=17384 4
Jiri Kolar
Sera-ce une anne aveugle ou aveuglee, 1983
Objekt, 2-teilig
65 x 90 x 39 cm

http://www.hilger.at/257_EN.629D924c...c3ea8d24c6686c

В Тель-Авивском отделении Союза художников проходит выставка Кейт Холл "Ассамбляжи и люди".
Одновременно с ее выставкой открылось еще несколько новых экспозиций. "Там небеса и вода" - живопись последних 10 лет и инсталляция Боаза Ронена: ангелы, люди, животные на небесно-голубом фоне. Тут же выставка работ новых членов ассоциации, которая продлится до 26 мая, и выставка живописи Рут Цапор - работы маслом и "дигитальные" рисунки.
Открылись несколько новых экспозиций: "Ассамбляжи и люди" Кейт Холл, "Там небеса и вода" Боаза Ронена и др.
Автор: Маша Хинич

http://wolfson.corbina.net/ilMuseums.../art_932_1.jpg
Кейт Холл. Ассамбляж

http://wolfson.corbina.net/ilMuseums.../art_932_2.jpg
Боаз Ронен. Кровь, человек, земля

http://wolfson.corbina.net/ilMuseums.../art_932_3.jpg
Работа Рут Цафор

Проект М.Черниковой в Московском музее современного искусства

c 19 января по 19 февраля Москва
http://www.museum.ru/img.asp?28912
Московский музей современного искусства представляет проект Марины Черниковой URBAN SURFING. Видеоарт, пространственная видео-инсталляция.

Художник Марина Черникова, как это ни странно, не частый гость для Москвы. Ее творчество мы с полной уверенностью можем рассматривать "по гамбургскому счету": в Европе ее знают гораздо лучше.
Ее стиль стоило бы охарактеризовать как "архитектоничную видео-живопись". Кубистические городские пейзажи, выполненные видео-камерой, стремительно развиваются во времени. Хладнокровно и методично Черникова исследует психологию репрезентации воспоминания, превращая результат этого исследования в панорамное видео-полотно, в "moving painting". Документальные образы городской архитектуры, разлагаясь и наслаиваясь друг на друга, создают абсолютно новую реальность, в которую помещается зритель, окруженный видео-проекциями. Словно при скорочтении, взгляд выхватывает лишь важнейшие фрагменты, которые затем становятся полу-абстрактными структурами, постоянно находясь в круговом движении. Здесь важен момент изучения восприятия современным человеком городского ландшафта, которое является выборочным, непоследовательным. "Необходимый набор" фрагментарных урбанистических образов уступает место целостному восприятию архитектурного пространства. Точно так же, как в кубизме образ предмета разлагается на составные части, чтобы затем быть воспроизведенным "с концепции, но не с натуры" (Г. Аполлинер). Феномен "фильтра восприятия", изображенный при помощи новых художественных средств, является основной темой проекта "Urban Surfing". Совершая постоянное насилие над зрителем, художник пытается не просто показать результаты своих апперцептивных исследований, но сделать воспринимающего таким же автореферирующим подопытным, поскольку постичь проблему иначе практически не представляется возможным. Скольжение взгляда по архитектуре, городской серфинг восприятия - подобные варианты перевода (дешифровки) названия одинаково верны и одинаково подводят зрителя к сути высказывания художника. Безусловно, здесь также важен момент погружения, момент тотальной видео-экспансии как формы выражения, но транс-архитектурное пространство не может быть воссоздано иначе. Европейская бескомпромиссность искусства Черниковой дает ей своеобразный зрительский кредит доверия, который она пока так и не начала тратить.
www.museum.ru/N29517
http://surferset.org/page138777.htm#

Leo Zogmayer
http://www.hilger.at/613_EN?modul=tabelle&form=img&action=show&table=hi lger/custom/489&field=bild_klein_140breit&head=jpeg&pos=23820
Grau, 2002
Acryl/Sperrholz
139 x 47 cm
Back
http://surferset.org/page138777.htm

Сергей Сигей (Германия).
Краткая история визуальной поэзии в России.

Велимир Хлебников в статье «Художники мира!» (1919) предлагал создать письменный язык, понятный любым народам земли и ссылался на живопись, которая «всегда говорила языком, доступным для всех».
Является ли визуальная поэзия, существующая теперь во всем мире, таким интернациональным языком? Пока, вероятно, нет.
Сам Хлебников не отважился отправиться в неизведанные области превращения всем привычного стихотворения в нечто новое и настолько пластичное, что грань между вербальным и визуальным перестала бы ощущаться как разделительная черта. Но именно Хлебников и Кручёных указали путь к созданию визуальной поэзии, обратившись в 1912 г. к Михаилу Ларионову, который, переписывая их стихи литографским карандашом, утвердил отрицание жесткого характера типографских литер. В первых футуристических книжках возникла непременная тенденция к мягкому написанию букв.
Противопоставление руки и почерка строгой упорядоченности типографского набора оказалось первым шагом к превращению стихотворения в нечто, подвластное художнику. Опыты Ларионова, а затем Натальи Гончаровой и Ольги Розановой, не отменили и другого пути, начатого в России типографскими экспериментами Давида Бурлюка и особенно Василия Каменского. «Железобетонные поэмы» последнего, в которых страницы расчерчены на отдельные сегменты, с включенными в них словами и фразами, набранными шрифтом различного кегля, должны быть названы важнейшей книгой в истории русской визуальной поэзии.
Опыты Каменского получили развитие в тифлисских изданиях группы «41°», наборщиком которых был Илья Зданевич. Его собственные полиграфические эксперименты основывались на чисто визуальных, импрессионистских импульсах. Большой любитель и знаток древней грузинской архитектуры, Зданевич проецировал ее особенные связи с ландшафтом на конструкции своих «двухэтажных» и «трехэтажных» строк.
И мягкое литографское письмо Ларионова, и акцентное использование литер Зданевичем, и отказ от линейной строки у Каменского — все это находилось, тем не менее, в русле старинных еще традиций, и сегодня вполне может быть возведено к фигурным стихам александрийской школы, к опытам средневековых переписчиков и вполне сопоставимо с типографскими экспериментами хотя бы Симеона Полоцкого. Именно так и поступают многие исследователи визуальной поэзии, стремящиеся связать сегодняшние ее особенности с тысячелетней книжной традицией. Между тем, необходимо строгое различение именно визуальной поэзии и визуализации стиха, действительно характерной для человеческой культуры на протяжении столетий.
Опыты Бурлюка, Каменского, большая часть книжных страниц Зданевича — это именно визуализация, когда подлинный сплав текста и изобразительных возможностей типографского набора еще не достигнут. Подобные произведения можно и читать и рассматривать, или только читать, или только рассматривать. В них даны только первые попытки к созданию такого литературного произведения, которое могло бы восприниматься подобно рисунку или картине — мгновенно, и могло бы пониматься углублением в эту мгновенность первого взгляда.
Продолжатель идей «школы заумной поэзии» Юрий Марр (сын академика), работавший в Тбилиси в 20-ЗО-е гг., не имел доступа к печатному станку или литографскому камню, но оставил рукописи, большая часть которых свидетельствует о его принципиальной озабоченности внешним начертанием только отдельных букв, которые оказываются способными к графическим модуляциям и являются развитием ларионовского подхода к культуре почерка в литографированных книгах футуристов.
Через шесть лет после первых картинных стихов-страниц Зданевича в Москве вышел сборник поэтов-конструктивистов «Мена всех» (1924) — несомненное торжество основополагающих идей визуальной поэзии. Задолго до возникновения современного концептуализма с его идеей замены изображения словом в живописи, Алексей Чичерин выдвинул идею замены слова в литературе живописным или графическим изображением.
Чичерин не ограничивает себя визуальным на бумаге, полагая, что его конструкции обязаны иметь пространственное продолжение, должны функционировать в реальности, такова поэма «Авэки викоф», существовавшая не только как первоначальный чертеж, но и как пряничная доска. Сам пряник, испеченный в 15 экземплярах, был продан в Моссельпроме и съеден тогдашними потребителями поэзии.
Уехав в конце 20-х гг. из Москвы, Чичерин продолжал создавать материальные «знаки поэзии», которые заменили для него вербальные ряды. Изучив опыт изготовителей пряничных досок, он использовал деревянную основу для резьбы, как когда-то в начале своего творчества использовал бумагу.
Долгие годы ни один русский поэт не мог конкурировать с гениальными прозрениями Чичерина. Изданную в 1926 г. в Ленинграде книгу Александра Туфанова «Ушкуйники» характеризует абсолютная типографская бедность, но в истории ее создания есть момент прелюбопытный. В библиотеке Игоря Бахтерева сохранился типографский экземпляр ее, резко отличающийся от известных: вместо всех литер «о» в нем планомерно использовано «супрематическое двоеточие» (две квадратны черные плашки одна над другой), преображающие внешний вид страницы.
Среди поэтов-обэриутов, группировки, многим обязанной Туфанову, только Даниил Хармс испытывал потребность в таинственных упражнениях в каллиграфии (не только продолжая ларионовскую тенденцию визуализации стиха, но основываясь и на мистических толкованиях букв).
Обэриуты уже были знакомы с идеями и изданиями французских сюрреалистов, и в некоторых каллиграфических экспериментах Хармса явственны следы автоматического письма, помогавшего ему установить родство таких воспетых Кручёных литер, как «х» и «ф». Обэриуты, высоко ценившие при этом культуру почерка и обменивавшиеся между собой цветными свитками, испещренными текстами собственных стихов, были среди участников планировавшегося в 1930 г. альманаха «Атом». Цель его состояла не только в том, чтобы соединить под одной обложкой Алексея Кручёных и обэриутов, но и дать материал Луи Арагону для составления русско-французского сборника сюрреалистов. Идея эта осталась неосуществленной, но сохранилось лигатурное стихотворение Николая Никодимова, предназначавшееся для этого альманаха. Идея стихотворения продиктована общеизвестным прогнозом Романа Якобсона о сплетениях букв в русской поэзии.
В неопубликованных «Фрагментах из воспоминаний футуриста» Д. Бурлюк говорит о проблематике подобных опытов: «Алфавитация словес: русский язык нужно компактировать, титловать, сокращать…, усекать». В стихотворении Никодимова использованы оба принципа: алфавитация, о которой говорит Бурлюк, и сплеты Якобсона. Существенна и латинизация некоторых буквенных элементов. Подобно заумным стихам Туфанова, напечатанным в свое время латинским шрифтом, здесь дается указание на грядущую интернационализацию поэзии.
Стихотворение Никодимова, а равно и стихи Ю. Марра, всплыли из небытия лишь в самом начале 80-х гг. До этого ни один русский поэт не знал о подобных произведениях предшественников. И что же? С конца 60-х гг. эксперименты в стихе шли именно на уровне почерка. Необходимо было вернуться вспять, чтобы восстановить прерванный путь визуализации. Показательны опыты Елизаветы Мнацакановой, живущей сейчас в Вене: абстрактные графические линии продлевают отдельные буквы и сплетаются в ее произведениях в сложные декоративные узоры. В области оплавленного, мягкого, почерка работает Валерий Шерстяной (Берлин).
Другие визуальные поэты в России балансируют между визуализацией и материалом. Ры Никонова создает сложные «архитектурные» структуры, используя затем их как партитуры или сценарии своих «жестовых стихов». Другой поэт — Борис Констриктор — соединяет нео-экспрессионистскую стилистику своей графики с элементами букв и свободной топографией заумных лозунгов.
Работая совместно с Игорем Бахтеревым, я сделал серию визуальных стихотворений, используя блинтовое тиснение книжного переплета. Главным связующим этой серии — «Рембрандт» — был именно материал, понимаемый не только как цвет, маслянистость восковых мелков, фактура, но и как техника.
Как только поэты начинают думать о технике изготовления стиха, начинается собственно визуальная поэзия. Другими словами, — поэты превращаются в художников, но создают при этом стихи.

Сатья перепечатана с сайта www.litera.ru/slova/platforma/texty/

визуальная поэзия
Константин Кедров (Москва).
Текст-графика
http://visualpoetry.ru/arc/2006_1/images/kedrov_1.gif
http://visualpoetry.ru/arc/2006_1/images/kedrov_2.jpg
http://visualpoetry.ru/images/w_right.jpg
визуальная поэзия
Левон Осепян.

Реди-мейд (англ. ready-made — готовый) Термин впервые введенный в искусствоведческий лексикон художником Марселем Дюшампом для обозначения своих произведений, представляющих собой предметы утилитарного обихода, изъятые из среды их обычного функционирования и без каких-либо изменений выставленные на художественной выставке в качестве произведений искусства. Реди-Мейд утверждали новый взгляд на вещь и вещность. Предмет, переставший выполнять свои утилитарные функции и включенный в контекст пространства искусства, то есть ставший объектом неутилитарного созерцания, начинал выявлять какие-то новые смыслы и ассоциативные ходы, неизвестные ни традиционному искусству, ни обиходно-утилитарной сфере бытия. Остро всплыла проблема релятивности эстетического и утилитарного. Первые Реди-Мейд Дюшамп выставил в Нью-Йорке в 1913 г. Наиболее скандально известными иэ его Реди-Мейд. стали «Колесо от велосипеда» (1913), «Сушилка для бутылок» (1914), «Фонтан»(1917) — так был обозначен обычный писсуар. Своими Реди-Мейд Дюшамп достиг (осознанно или нет) ряда целей. Как истинный дадаист он эпатировал снобистских завсегдатаев художественных салонов начала века. Он довел до логического конца (или абсурда) традиционный для искусства прошлых столетий миметический принцип . Никакая живописная копия не может показать предмет лучше, чем он сам своей явленностью. Поэтому проще выставить сам предмет в оригинале, чем стремиться изображать его. Этим вконец была разрушена граница между искусством и видимой действительностью, сведены на нет все эстетические принципы традиционного классического искусства в Реди-Мейде помещались в пространство художественной экспозиции не из-за их какой-то особо значимой эстетической формы или других выдающихся качеств; принципиальной произвольностью их выбора утверждалось, что эстетические законы релятивны и конвенциональны. «Художественность» любой формы или предмета теперь зависела не от их имманентных характеристик, но исключительно от внешних «правил игры», устанавливаемых практически произвольно или самим художником (как это было в случае с Дюшампом), или арт-критиками и галеристами, или руководителями арт-рынка. Реди-Мейд знаменовали наступление радикального переворота в искусстве. Именно с них начался четко обозначенный водораздел между Культурой и ПОСТ-культурой (. Не случайно Реди-Мейд вошли в качестве главных и полноправных членов и элементов в произведения практически всех направлений визуальных искусств второй пол. нашего столетия; стали составной и неотъемлемой частью ассамбляжей, инсталляций, объектов, акций, энвайронментов, перформансов, хэппенингов и множества других самых разнообразных арт-практик.
Реди-мейд - В 1902 году в Нью-Йоркской галерее "Sidnej Jams" прошла выставка "Новые реалисты". Здесь демонстрировались простые вещи, элементы среды, их копии демонстрировались как самостоятельные объекты искусства. После Первой Мировой войны в Европе организовалась группа художников, называвшаяся "Dada". Один из представителей направления Реди-мейд был М. Дюшан. Этот художник реальные, банальные вещи поднял на уровень искусства: колесо велосипеда на табуретке, раковину туалета.
Новшества Дюшампа перевернули представления кубистов об истинном предназначении предметов и дали толчок стремительному развитию нового художественного направления. Через 50 лет подобная ситуация привела к рождению поп-арта. Дадаизм очень быстро стал популярным (особенно в Нью-Йорке, где его возглавил Марсель Дюшамп), но как сформировавшееся течение просуществовал недолго. Основоположниками нового течения в американском искусстве стали Роберт Раушенберг и Джаспер Джонс. Раушенберг создает так называемые "комбинированные картины", сочетая вещественные вставки с живописью в манере абстрактного экспрессионизма. Дадаизм оказал значительное влияние на другие течения, в частности на сюрреализм (прежде всего в его приверженности к абсурду и фантастике), абстрактный экспрессионизм и концептуальное искусство.
http://iskysstvoxxvek.narod.ru/ready.htm

Ссылки на ресурсы : Коллажи
CollageArt.org
помещены списки и ссылки на коллаж артистов, сайтов, книг, выставки

Международный музей и сборка коллажа
заключается как в интерактивном, так и в Cuernavacva, Мексика,
Международный после Dogmatist группы.

Коллаж из национального общества
находится несколько выставок (в США) каждый год.
KinderArt по скульптуре и
скульптура
коллаж
открывает коллаж и планы уроков для детей и взрослых.

Коллаж Город - галерея коллаж
из
Photomontage и
художники во всем мире

Моя Галерея
текущие выставки коллажей и спекулятивной фантазией.

Театр на Мертвом
является галерея онлайн коллажей и найденных образов смерти, полностью черное и белое.
Смит - Смешанный Коллаж СМИ и Поэту.

Скульптура, сборка, и искусство коллажа.
Смеси промышленного и бытового материалов на движущихся визуальных заявления Карачаево-Черкесии красоты.

Группа : Art_of_Collage
является список для обсуждения и изучения коллажа как художественной формы. Она задумана как форум для обмена методами, материалами, идеями и вдохновением.

Группы Yahoo : Коллаж
аналогично выше, развернулась вокруг технических, теоретические и эстетические последствия от производством коллажа.

MetroActive Искусство : Искусство коллажа,
статьи, Зэк Стентз.

Иржи Колар : Книги и Изображения
касается книги, написанные Иржи Колар, и показывает примеры своей работы.

Жоау Colagem (1967 -) вносит коллажи много лет.

Он родился в Бразилии, но недавно работал в Нидерландах.
Жоау Colagem сайт
отображается большое количество его работ, некоторые из которых, как отмечалось на продажу.

Элвис H Христос
представляет коллаж
галерея
искусства художников со всего мира.

Эти произведения в той или иной степени абсурд, прихоть или политический.

ИЗОБРАЖЕНИЯ
Некоторые примеры работы Иржи Колара могут быть найдены в :

Galerie Ve Љtupartskй ,

Общество современного искусства ,

Ubu Сеть ,

Leopold-Hoesch-Museum ,

StiftungWoerlen ,

PassauerMedienzentrum ,

Мультипликация и Прекрасное Искусство и

Musйe Typoйsie .

Международный Музей Коллажа

Директор музея Сесил Тоучон

blog для Музея Коллажа.

http://collagemuseum.blogspot.com/

Привет Художники.
Это - Новый Год, и я возбужден, чтобы объявить два, клеймят новую зиму симпозиумы в Области Залива Сан-Франциско, чтобы помочь kickstart вашему творческому году.
(1) Лучшие Десять Texturing Методов для Смешанного Искусства СМИ
и
(2) Измененные Фотографии. Я буду преподавать мои любимые подсказки и уловки
и лучшее из лучших методов, чтобы использовать вашим собственным способом в смешанном
искусство СМИ, коллаж и измененное искусство. Есть то, что случается в
Январь и февраль. Надеюсь встретить некоторых из Вас там. Для большего :
информационное посещение
www.afternoonarts.com, или электронная почта....@.....

***
Caroline Waite " Bird Watching" Mixed Media Collage
Collection of the IMCAC (Baker's Dozen Exchange # 8)http://collagemuseum.com/internation...-waite-3-a.jpg

http://www.ncca.ru/images/collection...tepanova_a.jpg

http://www.ncca.ru/images/collection...epanova01s.jpg

Варвара СТЕПАНОВА (1894-1958)

Родилась в городе Ковно.
В 1910-1913 училась в Казанской художественной школе, познакомилась с Александром Родченко. В 1914 переехала в Москву, занималась в студиях Юона и Леблана. С 1915 по 1917 - помощник бухгалтера на фабрике металлических изделий В.Збука. В 1917-1918 вступила в Профсоюз художников-живописцев (Левая федерация). Занималась живописью, графикой, поэзией. Член ИНХУКа, ученый секретарь в 1920-1924, участвовала в дискуссиях об элементах искусства, о конструкции и композиции, о конструктивизме, одна из создателей группы конструктивистов ИНХУКа.
В коллажах к пьесе А.Крученых «Глы-Глы» пародировала композиции «левых» художников - Малевича, Розановой, Поповой, Клюна, Матюшина и других. Поиск синтеза звука и цвета привел ее к «Цветописной графике» - размашисто написанным разноцветным буквам абстрактных стихотворений. В иллюстрациях к книгам «Ртны хомле» и «Зигра ар» (1918-1919) соединила темпераментную графику пятен и линий с жесткой фонетикой «заумной» поэзии. В серии «Фигуры», основанной на геометрических элементах беспредметного искусства, исследовала основные положения, схемы и повороты фигуры человека в динамике. Участвовала в нескольких выставках авангарда, а также в выставке художников-беспредметников «5x5=25» (1921, Москва), где подвела итог своим поискам и заявила о переходе к «производственному» искусству. В 1922 году в духе конструктивизма оформила спектакль «Смерть Тарелкина» в театре Мейерхольда. Входила в группу ЛЕФ, опубликовала в журнале «ЛЕФ» п.2,1923 статью «Костюм сегодняшнего дня - прозодежда», в которой доказывала необходимость функционально-конструктивной разработки одежды для различных профессий. В 1924 году вместе с Поповой разрабатывала рисунки для ткани для 1-й ситценабивной фабрики в Москве, была профессором текстильного факультета ВХУТЕМАСа, проектировала модели спортивной и повседневной одежды. С 1924 года работала в полиграфии и занималась фотомонтажом - оформляла обложки книг и журналов «Советское кино», «Радиослушатель», «Красное студенчество», «За рубежом», «Книга и революция» и других. Вводила систему модульной и акцидентной верстки в полиграфии. Участвовала в выставках: Декоративных искусств и художественной промышленности 1925 года в Париже (театр, текстиль, книжная графика); «Бытовой советский текстиль», 1928, Москва, ГТГ; объединения «Октябрь», 1930, Москва (полиграфия, ткани) и других. Член Союза художников с 1932 года.
С 1935 в издательстве «Изогиз» вместе с Родченко оформляла фотоальбомы «10 лет Узбекистана», «Первая Конная», «Красная Армия» и др., и более 10 тематических номеров журналов «СССР на стройке». В конце 30-х годов вернулась к живописи. В 1941-1943 была в эвакуации в городе Пермь, оформляла Окна ТАСС и выставки Гослитмузея. В послевоенные годы работала над фотоальбомами: «Москва», «Московский метрополитен», журналом «Советская женщина».
http://www.ncca.ru/collections_item.jsp?id=342

Несколько ссылок
Измененная книга
Сборка
Dеcollage
Найденное искусство
Гиперформализм
Список частей, которые использует коллаж
Смешанные СМИ
Монтаж и
музыкальный монтаж
Papier collй
Звуковой коллаж
Рассказ Тигра

Коллаж в живописи

Живописец кубиста,
Пабло Пикассо,
изобрел технику коллажа в 1912 с его Натюрмортом со Стулом Caning (Характер(Природа)-morte а Ла фаэтон cannйe)
[1],
в котором он приклеивал заплату
клеенки с тростникового стула, к холсту части.
Художники
сюрреалиста сделали обширное использование коллажа.
Cubomania - коллаж, сделанный, сокращая изображение в квадраты, которые тогда повторно собраны
автоматически или наугад. Inimage - название, данное
Renй Passerson к тому, что обычно считают стилем коллажа сюрреалиста (хотя это возможно квалифицирует вместо этого как decollage), в котором части срезаны от существующего изображения, чтобы показать другое изображение.
Произведенные коллажи, используя подобный, или возможно идентичный, метод называют
etrйcissements Ричардом Геновезом от метода, сначала исследуемого Маркэлем Маризаджк1ксн.
Genovese также вводил коллаж раскопок (который включает элементы decollage), который является иерархическим представлением напечатанных изображений, свободно прикрепленных в углах и затемотрывающие частицы верхнего слоя, чтобы показать изображенияснизу, таким образом вводя новый коллаж изображений. Пенелоуп Роземонт
изобрела некоторые методы коллажа сюрреалиста, prehensilhouette и landscapade.
Коллаж часто называли художественной формой 20-ого столетия, но это полностью никогда не понималось.
Игры сюрреалиста
типа параллельного коллажа используют коллективные методы создания коллажа.
Коллаж, сделанный от фотографий, или частей фотографий, называют фотомонтажем.
Другая техника - это коллаж холста, который является применением, типично с клеем, отдельно окрашенных заплат
холста к поверхности главного холста живописи. Известный за использование этой техники - британский художник Джон Волкер в картинах
конца
1970-ых, но коллаж холста был уже неотъемлемой частью
смешанных работ
СМИ американского художника Джейн Франк к началу
1960-ых.
Сильно самокритичная
Ли Краснер также часто разрушала ее собственные картины, разрезая на куски , создавая новые произведения искусства reassambling части в коллажи.
Джон Волкер Джейн Франк

Иван Толстой:
Выставка абстракциониста, бунтаря, корифея европейского модернизма Ива Клайна открылась в Париже. Дмитрий Савицкий.

Женский голос: Дамы и господа, на мою долю выпала честь представить вам сегодня вечером Ива Кляйна. Кляйн – сын художников, он учился в школе торгового мореходства, затем в Национальной Школе Восточных языков, после чего работал в книжном магазине в Ницце, а позже дрессировал скаковых лошадей в Ирландии…

Ив Кляйн: Дамы и господа, я убежден в том, что ни с помощью ракет, ни с помощью спутников человек не сможет завоевать космос. Он вечно будет в межзвездном пространстве лишь туристом… Но если он превратит собственную чувствительность в нечто новое, что позволит ему телесно стать частью космоса, в котором царит иная, спокойная и великая сила чистейшего воображения, тогда – да! Тогда это удастся…

Дмитрий Савицкий: В те довоенные годы, когда он появился на свет, молодые люди увлекались раджа-йогой, Вивеканандой, Штейнером, Блаватской, дзен-буддизмом. Интерес к оккультизму, розенкрейцерам, восточным религиями родился на заре ХХ века, но Первая Мировая война внесла свои поправки в эти увлечения. Молодой человек, выросший среди ослепительной синевы Средиземноморья, в Ницце, решивший заглянуть внутрь себя самого с помощью дзен-буддисткой техники медитаций, знал, что нужно найти комнату, помещение, где никто и ничто тебя не потревожит, не нарушит напряженный покой мантрама, стремление к абсолютной пустоте, в которой, как говорил Святой Августин, «вьются лишь птицы дневных мыслей, от которых не стоит даже отмахиваться...»
Помещение такое молодой человек нашел, это был подвал, принадлежавший отцовской книжной лавке. Но для выросшего на пляжах Ривьеры молодого человека подвал без окон был метафорой клаустрофобии, с которой он еще не умел бороться. И он выкрасил потолок подвала ярко-синей краской, создал себе небо. И будущее. Потому что, если художник Ив Кляйн известен, то, прежде всего, своим синим цветом, который он позже запатентовал как, International Klain Blue , IKB ,«Международный Синий Кляйна», номер PB 29, CI -77-0007.
Ив Кляйн, проводивший молодость на пляжах Лазурного берега, упорно вглядывался в синьку неба, однажды заявил друзьям, что поставил на ней свою подпись. Отныне – она принадлежала только ему.
Выставка работ Ива Кляйна в парижском культурном центре имени Жоржа Помпиду, это 120 картин и скульптур художника, около 40 рисунков, рукописи, а главное фильмы и фотографии, демонстрирующие метод Кляйна, искусство перформанса и хеппенинга. Выставка открыта до 5 февраля и пользуется большим успехом. Спонсоры этой ретроспективной экспозиции, названной «Тела, цвет и нематериальное..», фирмы шампанского «Моэт» и «Энесси», а так же товаров класса люкс - «Луи Вюитон»…
Но о спонсорах позже.
Слово Катрин Паолетти, философу, ведущей энциклопедической передачи Франс-Кюльтюр «Университет Всезнания»:
Катрин, вы побывали на выставке Кляйна в культурном центре Жоржа Помпиду, что вы думаете об этом знаменитом «синем цвете» Кляйна, о котором идет столько разговоров? Какое впечатление он произвел на вас лично?

Катрин Паолетти: Знаменитый IKB , «Синий Ива Кляйна» - на самом деле чистый пигмент. Действительно он в свое время принял решение найти «абсолютный», идеальный, цвет. Но до того, как он начал использовать свой IKB , он УЖЕ писал монохромные, одноцветные, картины…. Немаловажен и тот факт, что «синий Кляйна» был вдохновлен синим цветом неба на картинах Джотто. Можно сказать, что в своем поиске он соединил два желания: создать идеальный цвет и желание «войти» в нематериальное… Он, кстати, и говорил, что именно через цвет он и познал нематериальное…»

Дмитрий Савицкий: Ив Кляйн родился в Ницце в 1928 году. Родители (и мать и отец художники) жили в Париже, и воспитывала его бездетная тетушка. Мистицизм и особенно идеи ордена Розы и Креста его заинтересовали еще в юности. Он также увлекся дзюдо и в своем понимании мистического подхода к миру, считал, что «дзюдо это существование человеческого тела в духовном пространстве». Позже, когда он начал обмазывать своих натурщиц синей краской и отпечатывать их на холстах, он говорил, что идея эта пришла именно из дзюдо, из воспоминаний о том, как тело после броска отпечатывается на спортивном мате.
В 1947 году Кляйн прошел в Лондоне обучение у мастеров золочения. Кстати, свой синий цвет он создал не сам, а с помощью приятеля-химика. 1952 и 1953 гг. он провел в Токио, что позволило ему повысить уровень мастерства в дзюдо, вникнуть в его философию и позже стать преподавателем дзюдо во Франции.
В обычном смысле слова Ив Кляйн не умел рисовать. Свои монохромные картины он впервые выставил в 1955 году в «Салоне новой действительности». Это был чистый оранжевый цвет, и когда от него потребовали поставить хоть несколько точек иного цвета, он отказался. Первый «синий» Кляйн был выставлен в миланской галерее Аполлинера. То была выставка из 11 одинаковых синих полотен, но…. разной цены.
И в этом был уже ВЕСЬ Кляйн. Прием, а не содержание стало главным.
В эту же эпоху он огласил свою «теорию чувствительности» через которую (и лишь через нее) можно познать мир. Ив Кляйн:

Ив Кляйн: Что такое чувствительность? Это то, что существует ВНЕ нас, но в то же самое время постоянно нам принадлежит. Жизнь же, как таковая, нам не принадлежит. Но с помощью чувствительности мы можем ее «КУПИТЬ». Чувствительность – это деньги вселенной и космоса, величайший продукт природы, который нам позволяет купить жизнь у первичной материи.
Воображение – это двигатель чувствительности. Движимые воображением, мы воссоединяемся с самой жизнью, жизнью, которая является абсолютным искусством. С неподвижной головокружительной скоростью в мире осязаемом появляется Абсолютное Искусство. То, что смертные восторженно называют Великим Искусством.

Дмитрий Савицкий: Если вы знакомы с выступлениями Сальвадора Дали или, более внятными, Марселя Дюшана, вы поймете, о чем говорил Ив Кляйн.
В конце пятидесятых Кляйн стал производить синие глобусы и скульптуры из крашенной губки. Сначала он наносил синюю краску на холст с помощью губок, а потом стал выставлять губки, как отдельные объекты. Согласно учению розенкрейцеров, «губки являются отражением изобилия духовных миров в океане».
В 1958 году в парижской галере «Ирис Клерт» состоялась самая знаменитая и самая скандальная выставка Кляйна. Называлась она «Пустота». Посетители получали на входе стакан с коктейлем ярко синего цвета и входили в выставочный зал. Он был пуст. Но Кляйн не только выставил пустоту, он ее продавал. Причем лишь за золото. Считалось, что купленное пространство после сделки было – «занято». Золото же Кляйн публично выбросил в Сену.
Работы Кляйна (и в этом интерес выставки в центре Помпиду) снимались в процессе создания. К примеру, Кляйн во фраке и белых перчатках (чтобы не испачкаться искусством) тащит через холст обмазанную IKB – натурщицу. Или Кляйн (скорее фотомонтаж) птицей падает с городской стены.
«Группа новых реалистов» (Арман, Даниель Споэрри и Жан Тингелли) сплотилась вокруг Кляйна, который в последние годы жизни стал использовать еще один элемент стихии. После «синего» (небо, море, космос), он перешел к огню и стал употреблять газовые горелки для создания обожженных поверхностей полотен. Самым последним приемом Кляйна была сама голая стихия – он устанавливал полотно на крышу автомобиля и гнал под проливным дождем, заставляя дождь и ветер работать для «абсолютного искусства». Перед самой смертью он экспонировал монохромно окрашенные рельефные географические карты: синий мир Кляйна. В 1962 году он скончался. Было ему всего лишь 34 года.
Выставка в центре Помпиду демонстрирует, прежде всего, не работы Кляйна, а исчезнувшую эпоху. Эпоху отчаянных попыток дать бытовым вещам вторую жизнь, буквально, актом прикосновения (Дюшан с его «Писсуаром»), Уорхолл с его консервными банками. То есть эпоху реальных попыток (после отказа от старых религий) сакрализации банального.
Ну, а Кляйн сделал акцент на самом «обряде», на перформансе, на хеппенинге, откуда и пошли бесчисленные художественные акты, запечатленные лишь во времени, но отнюдь (вещественно) не в пространстве.
Что касается спонсоров, то весьма часто они же являются и крупнейшими коллекционерами работ того или иного мэтра. И устройство гигантских ретроспективных выставок прибавляет к стоимости картин в их запасниках – несколько нулей.
http://www.svobodanews.ru/Transcript...112127527.html

Marcel Duchamp * Richard Hamilton http://www.tate.org.uk/collection/T/T02/T02011_7.jpg
Marcel Duchamp
Richard Hamilton
The Bride Stripped Bare by her Bachelors, Even (The Large Glass)
1915-23, replica 1965-6, lower panel reconstructed
La Mariйe mise а nu par ses cйlibataires, mкme
T02011 sculpture

http://www.graycatstudio.com/Images/pasteuppic.jpg

• karenbettencourt.com
• Prospectus PDF
• Entry Form PDF
• Prospectus HTML
• Entry Form HTML
• С 5 апреля до 29 апреля 2007

расчётная палата коллажа
Место, чтобы найти все виды информации о коллаже. Кто сделал это? Кто делает это? Почему они делают это? Как они делали это?
1/05/2007
collageart.org
http://www.collageart.org/collage3.gif
Collageart.org возглавляется Джонатаном Тальботом.
Есть много связей, художников, книг, - позволяет, только говорят много ИНФОРМАЦИИ относительно этого сайта)!
http://collageclearinghouse.blogspot.com/

Выставка :
ПРОВЕРКА ПРАВОПИСАНИЯ С НОЖНИЦАМИ: ДЕНВЕР, 2006

http://homepage.mac.com/mistahcoughdrop/.cv/mistahcoughdrop/Sites/.Pictures/999%20Collages/YEAH%20copy.jpg-
YEAH
http://homepage.mac.com/mistahcoughdrop/.cv/mistahcoughdrop/Sites/.Pictures/999%20Collages/NUDE%E2%80%93BLONDE.jpg-
SPELLING WITH SCISSORS POSTER
http://homepage.mac.com/mistahcoughd...mb_105_140.jpg
LeMon
http://homepage.mac.com/mistahcoughd...toAlbum13.html

PARIS: PLANTING CUT FLOWERS

Выставка “Российское искусство 1950 - 1970-х годов” Гос. музей-заповедник “Царицыно”

Вступление

Москва - единственная европейская столица, в которой нет музея современного искусства. Эта лакуна неблагоприятным образом сказывается на престиже города и даже страны в целом. Но, прежде всего, она наносит огромный вред истории, нынешнему состоянию и перспективам развития русской художественной культуры. Ведь уже сам факт отсутствия подобного музея стимулирует в общественно сознании безразличное и даже враждебно-издевательское отношение к создаваемым сегодня нашими современниками - российскими художниками и их иностранными коллегами - произведениям. Нет музея - следовательно, не существует государственного, общественного, профессионального признания современного художественного творчества в качестве безусловной ценности нашей культуры.

Профессиональная художественная среда лишена важнейшего источника информации о собственной истории, своих традициях, формальной, жанровой и языковой специфике, что заметно ее дезориентирует, тормозя раскрытие в ней творческих, инновационных качеств. Без музея чрезвычайно затрудняется формирования полноценного института художественной критики, а также появление искусствоведческой науки о новейшем периоде развития отечественного и зарубежного искусства.

1. Сюрреализм и абсурдизм

2. Абстракция в эпоху "оттепели"

3. Кинетизм

4. Метафизическое искусство

5. Минимализм

6. "Новый реализм"

7. Русская версия Поп-арта

8. Соц-арт

9. Леттризм и визуальная поэзия

10. Акции и перформансы

10. Вид экспозиции

http://museum.gif.ru/index2.html

collageart.org's, развивающий список ссылок к
ХУДОЖНИКИ СБОРКИ
НА ИНТЕРНЕТЕ

Джонатан Талбот

collageart.org Щелчок начальной страницы Здесь

BobbiAdams:
Среди Bobbi Adams различные работы

Антонайо Кэйзаджк0кса:
collaged assemblages испанского художника Антонайо Гарси

Дэвид Каспар / Секретное Окно:
немецкий художник Дэвид Каспар описывает Секретное Окно как "личное представление в мое молодое сердце. " Коллажи, assemblages
Дэйл Копеланд:
Дэйл Копеланд делает assemblages и коллажи.

2 международный Симпозиум Коллажа в Пловдиве, Болгарии

Джозеф Корнелл:
Этот Webmuseum сайт предлагает изображения двадцати восьми из коробок Корнелла.

Katerina Перекладные:
Рожденный в России, теперь живущей в Венгрии, работы художника Кейтрины Дака включают много трехмерных элементов.

Дебора Хэйнер:

JanetteJanson:
Коллаж, Сборка, Изменил Книги, Художественные Куклы,

Kyle Джонстон:
См. смешанные СМИ assemblages и коллажи Kyle Джонстона.

Кэйти Делл Кофман:
См. assemblages и коллажи

Лазарас Корпорэйшн:
художник Пауль Уотсон

Дэн Левин:
assemblages Дэна Левина являются и юмористическими и глубокими.

переулок фантазии:
вдумчивые коллажи

SiobanO'Donoghue:

Сан-Мигеля de Allende, Мексика

Дебора Робинсон:
создает трехмерные объекты, assemblages, и коллажи

Уильям Скрипс:
игривый и глубокий assemblages

Дебора Синглетэри:

Александр Стерзэль:
провокационные и вызывающие воспоминания коллажи

Джеймс Майкл Старр:

Виржини Трансон: