Коллажи

Новые выставки в Музее Современного Искусства (NY)

October 29, 2006 - January 8, 2007
John Latham: Time Base and the Universe

October 29, 2006 - January 8, 2007
Defamation of Character

October 29, 2006 - January 8, 2007
The Gold Standard

October 29, 2006 - January 8, 2007
Music is a Better Noise

September 21, 2006 -
Burt Barr: Recent Work

October 29, 2006 - January 8, 2007
Loris Cecchini: Cloudless

October 29, 2006 - January 8, 2007
Sam Samore: The Suicidist

October 29, 2006 - May 7, 2007
Katrнn Sigurdardуttir: High Plane V

June 22, 2006
Young Architects Program presents: BEATFUSE! by OBRA

http://www.ps1.org/ps1_site/content/view/29/63/

http://www.ps1.org/ps1_site/images/s...nd_bullion.jpg

Современное Искусство , филиал Музея Современного Искусства
PS1 Заявление Миссии
P.S.1 Современник Арт Сосредотачиваются, филиал Музея Современного Искусства, является самым старым и вторым по величине некоммерческим центром искусств в Соединенных Штатах, исключительно посвященных современному искусству. Признанный, поскольку сила определения альтернативного космического движения, P.S.1 выделяется от главных учреждений искусств до его подхода лезвия к выставкам и прямой причастности художников в пределах академической структуры. Это действует как посредник между художником и его аудиторией. Функционируя, поскольку проживание и активное место встречи для широкой публики, P.S.1 - катализатор для идей, бесед и новых тенденций в современном искусстве и его методах.

P.S.1 был основан в 1971 Alanna Heiss как The Institute of Art and Urban Resources Inc, и был прежде всего посвящен преобразованию оставленных и недостаточно использованных зданий в Нью-Йорке в выставку, работу и места студии для художников. Сегодня, P.S.1 использует два интернационально приветствуемых мест для современного искусства:
P.S.1 Современник Арт Сосредотачиваются в Длинном Городе Острова и Clocktower Галерее в Более низком Манхэттане, оба из которых содержат музей - качественные галереи и обширные средства обслуживания студии.

P.S.1 посвящен производству, представлению, интерпретации и распространению работы инновационных художников во всех СМИ, создавая творческий потенциал и свободное артистическое исследование. Его программы отражают сложный характер международного современного искусства, служат широкой и разнообразной аудиторией, и стимулируют беседу на искусстве нашего времени.
P.S.1’s выставки, представления, образовательные действия, программы студии и публикации стремятся иметь самого высокого качества и исследовать динамический и провокационный характер современного искусства. Его центр включает признание работы появляющихся художников, помещая несоизмеримые СМИ в новые и значащие контексты, и определяя альтернативные движения и усилия.

P.S.1 стремится быть жизненным культурным ресурсом для Нью-Йорка и обслуживать избирательные округа вне Нью-Йорка с его путешествующими выставками, программой студии, публикациями и представлением профессиональным штатом.
В целом, P.S.1 стремится обеспечивать привлекательную окружающую среду для художников; сообщать, вдохновлять, и бросать вызов его зрителям; активно привлекать новых зрителей; и быть доступным ресурсом, который поднимает роль искусства в современной культуре.
http://www.ps1.org/ps1_site/content/view/13/46/

Психокоррекционные механизмы арт-терапии. / обзорная аналитическая статья/ авт. Кристина Краплак

Что же это за волшебник такой – арт-терапевт? Каким образом происходит чудо от соприкосновения с искусством? Каковы механизмы психорегуляции в процессе творческого самовыражения? Эти, часто возникающие вопросы справедливы и требуют четких понятных ответов. Давайте попробуем разобраться в этой непростой психотехнологии!
В арт-терапии принято выделять 4-ре основных направления (подхода):

• Использование уже существующих произведений искусства путем их анализа, интерпретации ассоциативного восприятия участниками арт-терапевтического процесса (так называемая пассивная арт-терапия).
  
• Побуждение участников арт-терапевтического процесса к самостоятельному творчеству, при этом творческий акт рассматривается как основной психокоррекционный фактор (активная арт-терапия)
  
• Одновременное использование первого и второго принципов
  
• Акцентирование роли ведущего, его взаимодействия с участниками в творческом процессе.
  

1. Катарсическую (очищая, освобождая от негативных эмоций)
   
2. Регулятивную (снятие нервно-психического напряжения, регуляция психосоматических процессов, моделирование положительного психоэмоционального состояния)
   
3. Коммуникативно-рефлексивную (обеспечивающую коррекцию нарушений общения, формирование адекватного межличностного поведения, самооценки).

Журнал Merz . Edited by Kurt Schwitters. Hanover, 1923-1932
http://sdrc.lib.uiowa.edu/dada/merz/index.htm
Merzbild 29A
http://www.sprengel-museum.de/v1/deu...iv/ks_29_a.jpg
Merzbild 29A. Bild mit Drehrad,
1920 und 1940
Assemblage, Öl, diverse Materialien auf Pappe, Holz, Papier,
85,8 x 106,8 cm,
93 x 113,5 x 17 cm
(Kastenrahmen)

ВЯЧЕСЛАВ КОЛЕЙЧУК. ТОТАЛЬНЫЙ ТЕАТР
Мастер-класс, выставка (мультимедийный проект, видеопроекции), образовательная программа для детей
Творчество Вячеслава Колейчука живет интегральными формами и образами. Его технологии обращены к слову и изображению, конструкции и движению, музыке и личному поведению художника. Вячеслав Колейчук органично продолжает традиции русского авангарда 20-х годов, наделяя его символы и структуры радикальной постмодернистской рефлексией. В его художественной системе, обозначенной как тотальный театр, проявляется многослойность современной культуры, ее способность к открытому диалогу, в котором предстает карта современного арт-ландшафта.
Фантастические конструкции, рожденные воображением Колейчука, можно видеть в фильме «Кин-дза-дза» Георгия Данелия и в спектакле Константина Райкина «Превращение», для которого художник создал звуковую и изобразительную сценографию.
Сегодня творчество Вячеслава Колейчука не теряет актуальности для новейших интерпретаций отечественного искусства, храня в себе невыговоренные, только потенциальные смыслы.
Государственный центр современного искусства представляет мультимедийный проект «Тотальный театр Вячеслава Колейчука», в рамках которого представлены 8 объектов стереографики, 30 графических произведений и самоколлажей, 4 пространственные конструкции, 3 акустические объекта - «овалоиды» и инсталяция «Супрематическая Трапеза». Также выставочный проект представляет видеопроекции: «Материя», «Лики», «Тени», «Геометрия», «В начале было слово».
В день открытия состоялись мастер-класс Вячеслава Колейчука и акустические перформансы с участием композиторов Сергея Загния, Марка Пекарского и ансамбля экспериментальной музыки «Термен-Центр» при Московской государственной консерватории.
http://www.ncca.ru/programs_item.jsp?cat_id=72&id=122

Hans (Jean) Arp
АРП, ЖАН
(Arp, Jean) (1887–1966), также Арп Ханс, французский художник и скульптор, один из основоположников абстрактной скульптуры и основателей дадаизма – направления в искусстве, использовавшего в качестве средства выражения элементы бессмыслицы и абсурда. Арп много работал в области литературы; его поэзия, эпиграммы, критические произведения и размышления получили широкую известность. Эльзасец Арп писал по-французски и по-немецки. В течение всей жизни он использовал два имени – Жан и Ханс (второе – его настоящее имя, поскольку в 1887 Эльзас принадлежал Германии).

Жан Арп родился в Страсбурге 16 сентября 1887. Учился в Веймаре и Париже и к 1912 уже был знаком с ведущими европейскими художниками, в том числе с членами группы «Синий всадник», которую возглавляли Василий Кандинский и Пауль Клее.
В 1915 Арп уехал в Цюрих, где и жил до конца войны; здесь он впервые показал на выставке свои геометрические коллажи. Многие работы были выполнены им в соавторстве с художницей Софи Тойбер, на которой он женился в 1922. В 1916 в Цюрихе Арп основал группу «Дада». Абстрактные деревянные рельефы, созданные художником, кажутся забавными; игровой, шутливый характер произведений характерен для дадаизма, однако за показной несерьезностью всегда стоят сложная интеллектуальная деятельность и глубокая творческая проницательность. В 1919–1920 Жан Арп и Макс Эрнст возглавили немецкую группу дадаистов в Кёльне. Затем Арп переехал в Париж и в 1925 участвовал в первой выставке сюрреалистов, проходившей в Галери Пьер. В 1930 он создал первые трехмерные скульптуры из дерева и вскоре начал работать в гипсе, бронзе и камне.
Для стиля Жана Арпа характерно использование мягких, ясных и простых, взятых у природы форм, таких, как облака, листья, человеческие тела.
В 1958 в Музее современного искусства в Нью-Йорке прошла ретроспективная выставка произведений Арпа. Среди представленных на ней работ были Квадраты, размещенные согласно законам вероятности (коллаж, 1916–1917); Стол с яйцом (деревянный рельеф, 1922), Человеческая конкреция (бетон, 1935) и Птолемей (известняк, 1953). Художник принимал участие в украшении здания ЮНЕСКО в Париже. Умер Арп в Базеле 7 июня 1966.

http://www.artnet.com/artist/553306/hans-jean-arp.html
http://www.arpmuseum.org/
http://www.racheladlerfineart.com/artist/ja.html
http://www.krugosvet.ru/articles/55/1005592/1005592a1.htm

Музей АРПа

http://www.arpmuseum.org/images/skulptuf/ufer_gr.jpg
http://www.arpmuseum.org/images/skulptuf/arp2.jpg
http://www.arpmuseum.org/images/pic04.jpg
http://www.arpmuseum.org/html/museum/fr_ueberbl.html

выставки в Музее Арпа :
http://www.arpmuseum.org/html/programm/fr_ausst.html

Коллажи Арпа в коллекции Пэгги Гугенхайм
http://www.guggenheim-venice.it/engl...rtists/arp.htm
http://www.guggenheimcollection.org/...headshot_8.gif

Йоко Оно

Yoko Ono

( 18.02.1933 года [Токио])Япония (japan)
Йоко Оно родилась 18 февраля 1933 года в Токио. Ее отец до начала своей банковской карьеры был пианистом. Аристократическая мать Йоко - родом из богатой семьи.

Й о ко в фотографиях
http://www.geocities.com/Area51/Shire/4804/Yk1961.jpg
http://www.geocities.com/Area51/Shire/4804/yoko.html



Tate И т.д / Tate Архив восхищен представить три новых работы текста Иоко Оно – переделывания инструкций художника от Грейпфрута, сначала изданного в 1964.

Tate имеет много пунктов(изделий), касающихся потрясающей продукции(выпуска) Иоко Оно (включая число(номер) в сотрудничестве с Джоном Ленноном)в бумагах(газетах) и публикациях, депонированных в его Архиве и Библиотеке. Художник создавал две participatory части, позволяющие посетителям внести вклад в ее множество на Tate участках(сайтах) в Лондоне в 1994 и позже в Ливерпуле для Biennale города в 2004; результаты который она очень великодушно пожертвовала Архиву Tate для постоянного задержания.

Иоко Оно играл критическую роль в формировании авангардистского в течение более чем пятидесяти лет: начинание с ее ранних инструкций для действий и новой музыки, которую она начала писать в Токио в течение 1950-ых, через оригинальные концерты, проведенные(поддержанные) в ее нью-йоркском чердаке в 1960 (которые были катализатором для концепции Джорджа Макиунаса Fluxus) на ее встречу Джона Леннона, с его воображаемым гвоздем(ногтем) для одной из ее Картин Инструкции, в Indica Галерее в Лондоне в 1966. С этого времени, Иоко Оно продолжил делать искусство, работу(выполнение), музыку, и фильм, держащий на службе(использующий) participatoryи концептуальные аспекты искусства, которые являются критическими к ее практике.
http://www.tate.org.uk/tateetc/yokoono/
Tate Archive

Adrian Glew,

Йоко Оно отметит свое 73-летие перформансом в Париже

08.02.2006 Вдова Джона Леннона Йоко Оно отметит свое 73-летие перформансом в парижском театре "Шателе". В новом проекте соединятся музыка, современное искусство и видео, Оно осуществит его с сыном Шоном Ленноном, а также режиссером и музыкантом Винсентом Галло.
Событие состоится 18 февраля в рамках театральной программы Full Days. Художнику здесь на один вечер отдается все здание театра в полное распоряжение.
Последний раз Оно выступала в Париже 3 года назад с ремейком своего авангардного перформанса, где всем желающим предлагалось ножницами срезать с нее одежду. Эта работа была посвящена всемирному политическому эху событий 11 сентября.
Наблюдатели отмечают, что Йоко Оно ни разу не предала идеалов революционной нео-дадистской группы Флюксус и предлагала публике произведения, которые не могут забыть по сей день. Это, например, фильм 1970 г. "Муха", в котором камера пристально следит за вольными перемещениями по телу молодой обнаженной девушки обозначенного в заголовке действующего лица.

YTRO.RU

VIRGO посмотрите эти коллажи :

MARCIA SANDMEYER WILSON COLLAGES
of Leonia , New Jersey

http://home.earthlink.net/~marciawil...fPort,Bed.jpeg
"Вот - некоторые коллажи, которые я сделала в сентябре 2002. Видеть, как они смотрят togther, щелчок на моей странице "книг". Левый коллаж показывает СОВУ, глядящую вниз на старика и девочку перед деревом. человек и девочка были сокращены из рекламы журнала, и птица прибыла из художественной книги, сова от другого журнала. Они склеены на 8x10 правление иллюстрации дюйма с газетами пастели как фон. Преподаватель из Штата Пенсильвания говорит, что она покупает этому.
http://home.earthlink.net/~marciawilson/mwcollages.html
http://home.earthlink.net/~marciawilson/index.html

Александр Калдер

Александр Калдер род. 1898, в Lawnton, Штате Пенсильвания, в семействе художников. В 1919, он получил техническую степень в Институте Stevens Технологии, Хобокена. Колдер посетил Лигу Студентов отделения гуманитарных наук, Нью-Йорк, с 1923 до 1926, учась кратко с Томасом Хартом Бентон и Джон Слоан, среди других. Как внештатный художник для национального Полицейского Бюллетня в 1925, он проводил две недели, делая наброски в цирке. Он также сделал первую скульптуру в 1925; в следующем году он сделал несколько строительств животных и фигур с проводом и древесиной. Первая выставка его картин была в 1926 в Галерее Художника, Нью-Йорке. Позже в том году, он пошел в Париж и посетил Acadйmie de Ла Grande Chaumiиre. В Париже, он встретил Стэнли Уильяма Хэйтера, показанного в 1926 Салоне des Indйpendants, и в 1927 начал давать действия его миниатюрного цирка. Первый показ его проводных животных и портретов карикатуры был проведен в Weyhe Галерее, Нью-Йорке, в 1928. В том же году он встретился с Джоан Мирзаджк3кс, которая стала его пожизненным другом. Впоследствии, Calder делил своё время между Францией и Соединенными Штатами.
В 1929, Galerie Billiet дал ему его первый показ соло в Париже. Он там встретил Фредерика Кислера, Фернан Lйger, и Тэо Зэо Doesburg и посетил студию Пита Мондриана в 1930. Calder начал экспериментировать с абстрактной скульптурой в это время и в 1931 и 1932 вводил двигающиеся части в свои работы. Эти скульптуры перемещения называли "мобильными телефонами"; постоянные строительства нужно назвать "абстрактными скульптурами". Он показал с группой Абстракции-Crйation в Париже в 1933.
В 1943, Музей Современного Искусства в Нью-Йорке дал ему выставку соло. В течение 1950-ых, Calder путешествовал широко и выполнял Башни (стенные мобильные телефоны) и Гонги (звуковые(нормальные) мобильные телефоны). Он выиграл Великий Приз за Скульптуру в 1952 Венеции Biennale. В конце десятилетия, художник работал экстенсивно с гуашью; с этого периода, он выполнял многочисленные главные общественные полномочия.
В 1964–65, Соломон Р. Гугенхеим Музей, Нью-Йор, представил Calder ретроспективу. Он начал Тотемы в 1966 и Animobiles в 1971; оба - разновидности на постоянном мобильном телефоне. Calder выставка была проведена в Whitney Музее Американского Арта, Нью-Йорк, в 1976.
Calder умер 11 ноября 1976, в Нью-Йорке.

http://siteimages.guggenheim.org/gpc...idsize_363.jpg
Мобильный телефон (Мобильный телефон), 1941. окрашенный алюминий, приблизительно 84 1/4 дюйма выс.
Пэгги Гугенхайм Собрание. 76.2553 PG 137.
© 2005 Состояние Общества Прав Александра Колдер/артистса (Американское ракетное общество), Нью-Йорк.

http://www.postershop.ru/pub/uploads/5189-60X80.jpg

http://siteimages.guggenheim.org/gpc...idsize_365.jpg

http://siteimages.guggenheim.org/gpc...idsize_364.jpg
Красные Клавиатуры Лилии, 1956. окрашенный металл. лист, металлические пруты, и провод, 42 x201 x 109 дюймов.
Соломон Р. Гугенхайм Музей. 65.1737.
© 2005 Состояние Общества Прав Александра Колдер/артистса (Американское ракетное общество), Нью-Йорк.

http://www.guggenheimcollection.org/...st_bio_26.html

Cпасибо за коллажи от Marcia Sandmeyer.Как будто иллюстрации к английским сказкам-немного винтажно,что уже начинает немного утомлять,но все равно посмотреть стоит хотя где то уже и видел.
По сайту:лично мне хотелось бы видеть только коллажи,а не разбавлять современным искусством даже и для расширения кругозора.(А Йоко больше навредила современной музыке,чем что-то привнесла в современное искусство).
Конечно,это только мое личное мнение и пожелание.

Вношу свой вклад:
http://www.misprintedtype.com/v3/

Спасибо. Хорошо, что поставили сюда. Мы с ней соседи по deviantart

VIRGO, Вы сайтом называете эту тему на форуме? Свой сайт я временно забросил, хотя мог бы все эти 27 страниц поставить у себя. (Ссылку на зтот форум поставил, что и Вам советую)
Спасибо за критику, но, думаю, что здесь всё уместно пока.
Коллаж присущ всему современному искусству (во всех проявлениях) и наоборот.
Очень вредная бабуля Йоко Оно мне нравится, поэтому я её и помянул здесь, тем более, что она тоже коллажистка.

ART-словарь или «Венера Милосская и стили в изобразительном искусстве» – идея и дизайн Давида Плаксина
http://www.artgarden.spb.ru/nindex.p...d1=455&id2=456

подёнка - Напечатанный материал , предназначенный, чтобы иметь только мимолетный

http://www.artlex.com/ArtLex/m/image...a_tickt.th.jpg
интерес. "Подёнка" - от греческого слова "ephemeros" имеет значение "длительность день. " Примеры: билеты, рекламные листки, содействующая литература или брошюры , листовки , ярлыки пакета , кнопки кампании или значки, альбомы для вырезок, карты , ноты, { музыка } общие панорамы , театральные афиши, эмблемы , открытки (см. deltiologist ), особенно открытки "делового ответа"
http://www.artlex.com/ArtLex/e/image...rdlabel_th.gif, которые вставленны в журналы и другую рекламную почту.

Полностью :
http://www.artlex.com/ArtLex/e/ephemera.html

Андреа Уоксман
Портфель Художника
Добро пожаловать в Андреа Уоксман Портфель Малкэхи. Просмотрите Андреа Уоксман Малкэхи работы: индивидуальные элементы, которые составляют скульптуры - линии, оттянутые в месте.
Несогнутый стальной прут представляет как простая линия. Эта линия слоиста, ткет,
и соединенный с другими, чтобы создать объем при завоевании энергичного состояния.
При строительстве каждой скульптуры, я использую совокупный/отнимающий
процесс, связывая части вместе со сваривает тогда сокращение тех частей, чтобы создать оригинальную внешность. Структурная целостность - важная часть скульптуры,
возможность зрителю видеть, как части связаны и как они связаны
с другими частями для их поддержки.

Каждая скульптура воплощает различную идентичность...
http://www.absolutearts.com/portfolios/a/awaxman/

Вокруг Гельмана

Искусство не обязано быть красивым

- Легко ли сегодня пробиться молодому художнику?

МАРАТ Гельман, галерист:

- Сейчас художественная карьера делается сложно, кроме таланта важен и возраст. Если художник молод, то у него есть шанс пройти этот путь. Я не исключаю ситуации, когда все захотят стать художниками, все-таки судьба артиста - одна из самых счастливых. Шанс надо предоставить всем, а культурный механизм сам отфильтрует качественное. И если в России сейчас около миллиона людей, которые хотели бы творческой карьеры, профессии, то после этой фильтрации останется двести.

- И начнут выписывать непонятно что, лишь бы посовременнее...

- Неопытный зритель должен преодолеть языковой барьер: он должен понять, что это искусство. Для этого ему нужны подсказки. Люди считают, что основные признаки искусства - это красота, доброта, искусство должно учить. И когда мы делали в Новосибирске выставку "Компромат", реакция публики была: это не искусство. Следует подсказка: искусство всегда занималось имитацией реальности, так? А что такое в современном мире имитация реальности? Компромат. То есть художники занимаются тем же самым, что и раньше. И все. Искусство необязательно должно нести добро - это простая вещь, для человека европейского абсолютно понятная. Искусство - боль, а не лекарство. А в России это выглядит неким наездом на добро. Сейчас одновременно живут художники разных эпох, и есть настоящая драма: человек еще жив, а уже никому не интересен. Для нынешней художественной среды важно, что созданное должно немедленно утилизироваться. Справедливо, нет - но это так, это уже случилось.
Подготовил Михаил Осин,

Российская газета