Любимые художники и редкие работы

Медиаэнциклопедия ИЗО

КАРТИНЫ РЕМБРАНДТА ХАРМЕНСА ВАН РЕЙНА

О Рембрандте

Галерея картин Картина 1 Картина 2 Картина 3 Картина 4 Картина 5 Картина 6 Картина 7 Картина 8 Картина 9 Картина 10 Картина 11 Картина 12 Картина 13 Картина 14 Картина 15 Картина 16 http://www.picturesrembrandt.org/rembrant.php

Василий Юзько - Замечательный художник!
"Творчество художников, которых называют "Школой Сидлина" остается одним из самых замечательных и, пожалуй, загадочных явлений ленинградской живописи . И это при редкой в искусстве этого периода простоте сюжетов (в основном натюрморты). На фоне "эффектных направлений" ленинградского андеграунда работы сидлинцев выглядят анахронизмом. Скупая, неяркая цветовая гамма, скудный набор изображенных предметов, полное остутсвие попыток удивить. И все это вызывает невольное магнетическое притяжение, которое испытывает даже неискушенный зритель этих картин. В этом-то и состоит суть сидлинского "воспитания", что живопись говорит собственным языком непереводимом как язык литературно-ассоциативным.
Василий Дмитриевич Юзько
Родился в 1938 году. Свободный и артистичный художник, решающий композицию лаконичным и точным рисунком, оставляющий незакрашенными куски грунта, проявился в 90-е годы, через много лет после смерти учителя, после многих лет самостоятельной работы. Юзько - из любимых учеников. Сидлин ценил его талант, природное чувство цвета. И если направлял, то не на "путь Сидлина", а на "путь Юзько ". http://terijoki.spb.ru/trk_exhibitions.php3?item=12 ·
Школа Сидлина
Творческая группа, объединяющая последователей Осипа Абрамовича Сидлина (1902–1972). О. А. Сидлин — ученик А. И. Савинова, А. А. Осмеркина, К. С. Петрова-Водкина и П. Н. Филонова, руководитель изостудий в ДК им. В. П. Капранова (1935–1939), ДК им. Ильича и ДК им. Первой пятилетки (1949–1972). Школа Сидлина развивалась под влиянием эволюции творчества самого учителя и складывалась из нескольких периодов; от ориентации на творческие подходы старых мастеров, прежде всего Рембрандта, — к новым поискам в области цвето-композиционного построения картины. Школа не получила официального признания, а ее основатель постоянно подвергался критике за «формализм» со строны руководства ДК, проверочных комиссий ЛОСХа и АХ. Большая часть работ О. Сидлина после смерти была уничтожена по его завещанию. В 1970-е представители Школы (Анатолий Басин, Евгений Горюнов, Игорь Иванов и др.) активно участвовали в организации выставок нонконформистского искусства. В 1987–1995 по инициативе художника и педагога Юрия Нашивочникова работала галерея «Школа Сидлина» при ассоциации «Союзстройсервис». В 1992 по его же инициативе было создано художественное объединение «Храмовая стена», члены которого развивают творческие и педагогические идеи О. Сидлина. Ученики О. Сидлина: А. Басин, Г. Басина, А. Головастов, Е. Горюнов, В. Егоров, В. Жаворонков, И. Иванов, Г. Иванова (Сизова), А. Михайловский, Ю. Нашивочников, С. Сиверцов, Н. Тореева, М. Трушина, Н. Федотова, В. Юзько. Выставки: 1968–1969 — три выставки в Клубе Объединения им. Н. Г. Козицкого; 1994 — «О. Сидлин, его ученики и последователи» (Музей городской скульптуры); 1995 — «60 лет Школе О. А. Сидлина» (в рамках выставки «Петербург-1995», ЦВЗ «Манеж»). Лит.: Газаневщина: Газаневская культура о себе. (В компиляции и редакции А. Басина.) Иерусалим, 1989; Школа Сидлина / Сост. А. Анд рущенко, А. Басин, Е. Чурилова. СПб., 2001. (Сер.: Авангард на Неве.)
http://www.encspb.ru/ru/article.php?kod=2804729258
__________________
http://igor-nz.deviantart.com
http://russian-top.ru/in.php?id=srael1

Тайнопись Босха
Творчество старого нидерландского мастера Иеронима Босха (1450–1516) близко нашему времени. Глобальные проблемы современности, страх за судьбы человечества, горькая сатира на мир, страстное обличение пороков, постоянная, незатихающая борьба сил света и тьмы и надежда на спасение — эти идеи, зашифрованные в сложных образах, пронизывают все его картины
Полностью :
http://emigration.russie.ru/news/2/
http://russian-top.ru/in.php?id=srael1

Paul Cézanne. (French, 1839-1906). Self-Portrait in a Straw Hat. 1875-76. Oil on canvas, 13 3/4 x 11 3/8" (34.9 x 28.9 cm). The William S. Paley Collection

Винсент Ван Гог.
Vincent van Gogh.
Золотистое на голубом

c 31 октября 2006 по 31 октября 2007
http://www.museum.ru/img.asp?27351
http://www.museum.ru/img.asp?27352
http://www.museum.ru/img.asp?27353
http://www.museum.ru/img.asp?27354
http://www.museum.ru/img.asp?27355
Он прибыл в Париж весной 1886 года. Здесь все называли его Винсент. Так он подписывал свои картины. Говорят, тогда никто не мог правильно произнести его фамилию - Ван Гог. В столицу Франции голландец приехал терзаемый страстным желанием стать настоящим художником. Здесь его ждали брат Тео, кажется, единственный человек, безоговорочно веривший в талант Винсента, и картины импрессионистов.
Ему 33 года и он начинающий художник. Пять лет назад он впервые взял в руки кисть. За плечами трудная и какая-то нескладная жизнь. Винсент Ван Гог знает - спокойное размеренное существование в роли добропорядочного буржуа не для него. Торговец картинами, проповедник, миссионер, художник. Нигде ему не сопутствовал успех. Живопись прославила его имя - после смерти (при жизни Ван Гога была продана лишь одна написанная им картина). Но в обмен живопись забрала рассудок, а, в конце концов, и жизнь. Говорят гениальность и сумасшествие - две стороны одной медали. В случае с Ван Гогом душевное здоровье стало расплатой за гениальность.
Городом Ван Гога стал Арль. Здесь он нашел себя, свой почерк. На юг Франции, в Прованс, художник отправился зимой 1888 года. Родившийся и выросший на севере Европы живописец боготворил солнце. Юг встретил Ван Гога снегом.
Цвет Делакруа, острые, четкие линии японских гравюр и ясность Сезанна (художественного таланта Ван Гога не заметившего) - вот чего он хочет добиться. Итак, художник прощается с импрессионистической манерой своих парижских картин. Цвет становится все интенсивнее, формы упрощаются. Цвет становится главным в его картинах. Он не пишет, рисует цветом. Изображение рождается из переплетений, клубков дрожащих, истекающих цветом линий. Он экспериментирует, стремясь научиться цветом передавать и вызывать определенные эмоции.
Арль - солнечный юг и … Япония. Во всяком случае, для Ван Гога. Здесь он нашел пейзажи, напоминавшие ему произведения художников острова Восходящего солнца, которыми он восхищался. Особенно ярко мечта о Востоке проявилась в серии пейзажей с подъемным мостом. Одно из лучших полотен этой серии хранится в Музее Крёллер-Мюллер, он расположен в небольшом голландском городке Оттерло. Что не мешает ему быть одним из самых известных музеев Северной Европы.
В Арле Ван Гог создает столь популярную ныне серию "Подсолнухи", самые известные полотна которой находятся в Лондонской Национальной галереи и Новой Пинакотеки Мюнхена. Изображения солнечных цветов прекрасно иллюстрируют тот факт, что как бы ни были просты и привычны избираемые Ван Гогом сюжеты, в его картинах нет ничего обычного. Вот и подсолнухи Ван Гога - это не цветы, а диковинные и прекрасные, гордые иногда хищные существа, извивающиеся в глиняных вазах, встряхивая золотые гривы лепестков.
Он жил в одиночестве. Единственным постоянным его "собеседником" был брат, которому он писал удивительные письма - хронику своих поисков Картина, получившая впоследствии название "Комната художника в Арле" (1888, Институт искусств, Чикаго) должна была стать, согласно замыслу художника, одной из самых простых, спокойных, гармоничных в его биографии. Она должна была "успокаивать мозг, вернее воображение". Но стала квинтэссенцией его одиночества, она дарит зрителю печаль, а не покой.
Осенью 1888 года Ван Гог пишет "Красный виноградник" (ГМИИ, Москва). К этой картине Ван Гог питал особую привязанность и считал одним из лучших своих творений. Раскаленный, белый диск солнца застыл над землей. В предзакатных лучах она пылает, будто охвачена огнем. В багряном мареве темными тенями движутся фигуры сборщиц винограда. В то же время Ван Гог пишет "Воспоминание о саде в Эттене" (1888, Эрмитаж). Картина- эксперимент, который был совершен под влиянием и наблюдением Гогена. Попытка написать произведение по памяти, не обращаясь к натуре. Несмотря на то, что результаты первых живописных опытов Ван Гог счел удачными, вскоре этот метод его разочаровал. Впредь он писал только с натуры.
"Ночное кафе" (1888, Художественная галерея Йельского университета) - знаменитая картина, предвестник трагедии. Три ночи Ван Гог писал ее в кафе, где он имел обыкновение обедать. Красная комната в пульсирующем свете ламп, где "можно сойти с ума, совершить преступление".
Ван Гогу нравилось работать ночью. Он считал, что ночь "более оживленна и более богата красками, чем день". Ночью он пишет такие шедевры как "Терраса кафе ночью" (1888, Музей Крёллер-Мюллер, Оттерло) и написанная в последние месяцы жизни "Звездная ночь" (1890, Музей современного искусства, Нью-Йорк).
Роковым для Ван Гога стал май 1889 год. Все случилось в тот момент, когда в Арль по приглашению его прибыл Гоген. Попытка работать вместе обернулась яростными спорами, перерастающими в не менее яростные ссоры. Нездоровье Ван Гога стало очевидно, далее его жизнь состояла из живописи и лечения. Но его пламенная душа быстро сгорела. Ему было 37 лет, когда его не стало.
Когда Писсарро, один из лидеров импрессионистов, впервые увидел картины Ван Гога, то сказал следующие: "Либо он сойдет с ума, либо оставит импрессионистов далеко позади". Ван Гог сделал и то, и другое. Впоследствии его имя назовут среди главных художников постимпрессионистов - термина объединившего мастеров, вслед за импрессионистами, вступившими на путь поиска новой живописи (при жизни Ван - Гога причисляли к "импрессионистам романтикам").

Музей Крёллер-Мюллер в Оттерло (Голландия): www.kmm.nl
Музей Современного искусства, Нью-Йорк: http://www.moma.org
Сайт Музея д' Орсэ: http://www.musee-orsay.fr
Работы Ван Гога можно посмотреть в Эрмитаже и в Музее изобразительных искусств им. А. С. Пушкина. (с) Музеи России
www.museum.ru/N28732

Ваше мнение »»

Государственный Эрмитаж
Адрес:город Санкт-Петербург, Дворцовая наб., 34 Проезд:Ст. м. "Канал Грибоедова", "Невский проспект", "Гостиный двор; авт. 7; тролл. 1, 7, 10; автобусы-экспрессы: 7, 10, 147; маршрут. 128, 129, 147, 228Телефоны:спр (812) 571-34-65, экс 571-84-46, 710-90-:
www.hermitagemuseum.org
info@hermitage.ru

"Едоки лимонов" в Московском музее современного искусства

c 15 декабря 2006 по 15 января 2007Москва
http://www.museum.ru/img.asp?26647
http://www.museum.ru/img.asp?26648
http://www.museum.ru/img.asp?26649
http://www.museum.ru/img.asp?26650
Московский музей современного искусства и галерея XL продолжают программу "Москва актуальная" выставкой Виктора Пивоварова "Едоки лимонов", которая откроется в Московском музее современного искусства 15 декабря 2006 года. Куратор выставки - Елена Селина.

Виктор Пивоваров - художник, широко известный в профессиональных кругах. Друг и соратник Ильи Кабакова - "героической" поры концептуализма. В отличие от Кабакова, погрузившегося в исследование "коммунального тела" гомо-советикуса, Пивоваров всегда был больше художником в прямом понимании этого слова. Помимо активной работы в статусе одного из лидеров "неофициального" искусства 70-х он является самым известным детским иллюстратором. Несколько поколений советских детей воспитывались на его прекрасных иллюстрациях. Практически все сказки Андерсена, "Черную курицу и другие подземные жители" - дети увидели глазами Виктора Пивоварова.

В рамках актуального искусства, Виктор Пивоваров - один из самых сложных и интересных авторов. Его мир - многослойное исследование загадочной советской души, погружение в интеллектуальные лабиринты и щемящие тайны маленького "героя сопротивления" недружественной среде. Времена менялись, советское в творчестве этого автора плавно трансформировалось в общечеловеческое.. Его личным трансформатором явилась и любовь. В 80-е он уехал в Прагу - город жены, где живет и работает по настоящее время.

Виктор Пивоваров - единственный русский художник, кроме Олега Кулика, заинтересовавший лондонскую Тейт-модерн. Участник выставки "RUSSIA!" в Музее Гуггенхайма (Нью-Йорк, Бильбао).

Выставки Виктора Пивоварова проходят в Москве крайне редко, но когда проходят - становятся одним из важных событий художественной жизни города. Два года назад, ретроспективная выставка художника, состоявшаяся в Государственной Третьяковской галерее и Государственном Русском музее - вызвала огромный интерес не только профессионалов, но широкой публики. Достаточно отметить, что это была одна из немногих выставок, на которую стояли очереди.
Выставка "Едоки лимонов", которая разместится на четырех этажах Московского Музея современного искусства в Ермолаевском переулке - это работы художника последних лет.

www.museum.ru/N28533

Ваше мнение »»

»»Московский музей современного искусства
Адрес:город Москва, ул. Петровка, д. 25Проезд:Здание на ул. Петровка, д. 25: ст. м. "Пушкинская", "Чеховская", "Тверская"; тролл. 3, 15, 31 до ост. "Московский музей современного искусства". Здание в Ермолаевском пер. д. 17: ст. м. "Маяковская". Далее пешком по ул. Б. Садовая до ул. Малая БроннаяТелефоны:(495) 694-2890, 231-4408
URL:www.mmsi.ru/

Иные миры Серея Калмыкова в Музее изобразительных искусств

c 27 ноября по 17 декабря Москва
http://www.museum.ru/img.asp?27880
http://www.museum.ru/img.asp?27881
http://www.museum.ru/img.asp?27882
http://www.museum.ru/img.asp?27883
http://www.museum.ru/img.asp?27884
В Музее изобразительных искусств им. А.С. Пушкина работает выставка Сергея Калмыкова. Можно сказать, музей открывает новое имя художника для публики, прежде творчество Калмыкова было знакомо только специалистам. В собрании музея есть две графические работы художника, но раньше не было повода их выставить, не было подходящей по теме выставки. Это две монотипии Сергея Калмыкова, которые хранятся в граверном кабинете.
В. Бучинская рассказала, что самое большое собрание работ Сергея Калмыкова находится в Казахском государственном музее искусств им. А. Кастеева. С 1936 года он работал главным художником оперного театра в Алма-Ате. До этого он жил в Оренбурге, учился в Москве, Санкт-Петербурге. В Казахстан Калмыков приехал на время для работы, но полюбил этот южный край и остался на всю жизнь. Здесь он писал город, горы, восточных красавиц и свои видения "иных миров". Но так как подобные фантастические произведения не вписывались в русло советской живописи, то он их никогда не показывал, не выставлял. С этими работами специалисты смогли познакомиться только после смерти художника. Сергей Калмыков всю свою жизнь посвятил искусству. Родился он еще в XIX веке - в 1891 году, с юных лет занимался живописью, что позволяет его причислить к мастерам Серебряного века. Завершил свой творческий путь художник в 1976 году, все свои работы он оставил музею, наследников у него не было. Первый альбом Сергея Калмыкова вышел в 1991 году, его долго готовили.
Безусловно, Калмыков был явлением в жизни Алма-Аты, его необычность была его особенной изюминкой. У необычного художника было не только необычное творчество, но и внешний вид. Он работал художником в опере: писал декорации на холсте. Не все они сохранились, порою после спектаклей декорации шли на изготовление фантастических костюмов художника. Публике нравились его театральные работы, зал аплодировал его декорациям, такое встретишь не часто. Сергей Калмыков относился к своему делу со всей стремительностью своей души. Могло случиться такое, что он писал декорации к третьему акту, пока шел первый. Он создавал сложные декорации, которые надо было поворачивать во время спектакля. Калмыков занимался живописью профессионально, он был принят в Союз художников, в Алма-Ате не так велико число профессиональных живописцев. В архиве художника есть письма, записки, сочинения фантастического характера. Но в целом его жизнь содержит довольно мало фактических описаний. Так, есть легенда о разочаровании в деятельности Союза художников и добровольном выходе из состава организации. Калмыков умер от истощения в больнице, где его могила неизвестно.
Но можно сказать, что в городе к нему относились как к чудаку. Когда музею в Алма-Ате досталось творчество художника, то музей не стал отказываться от его странных произведений. Хотя многое в работах было непривычно для сотрудников музея, раньше они видели только реальные, живые, трогательные работы художника. Оказывается, в своих мечтах Сергей Калмыков путешествовал с Леонардо да Винчи, общался с космическими цивилизациями. К сожалению, произведения из Казахстана не привезли, выставка подготовлена из тех произведений, которые находятся в московских собраниях. При жизни художник почти не продавал своих работ. Сейчас несколько его работ есть в Русском музее, в Оренбурге. Это заслуга сотрудников Казахского музея, они по своей инициативе разослали несколько работ в российские музеи тех городов, которые были связаны с жизнью Калмыкова. Несмотря на то, что художник не был баловнем судьбы. Но он верил в свое творчество, что со временем его оценят. Сам он относился к своему творчеству не критически, а с одобрением. О чем говорят его собственные высказывания: "Ай да какой я молодец". Оправдались ли его ожидания, оценить Вы можете сами в зале истории Музея изобразительных искусств им. А. С. Пушкина. К выставке подготовлена довольно объемная монография художника и каталог выставки. Организаторы выставки Музей-галерея "Новый Эрмитаж-один" не исключают возможности показа данной выставки и в Казахстане
(Н. Трегуб)

Пабло Пикассо (1881-1973)
АВТОР: Эренбург И.
ОПУБЛИКОВАНО: Искусство. Автор-составитель Г. В. Наполова. Минск "Пион". 1998. С. 244-248.

История, кажется, не знала художника, творчество которого вызывало бы столько споров. О Пикассо никто не говорит спокойно; одни его поносят, другие превозносят. Ему посвящены сотни книг на различных языках. О нем писали Аполлинер и Элюар, Маяковский и Арагон, Пабло Неруда и Кокто, Рафаэль Альберта и Веркор, Макс Жакоб и Незвал; ему посвящали длинные трактаты и восторженные поэмы. Многие художники, критики, журналисты вот уже полвека издеваются над ним. В различных городах мира — в Париже и в Праге, в Токио и в Риме, в Нью-Йорке и в Стокгольме, в Мехико и в Цюрихе, в Сан-Паулу и в Амстердаме, в Москве и в Берлине — выставки его работ становятся событием, о котором говорят не только среди художников, но на улицах, в клубах, в кафе, в метро. Сорок лет назад я присутствовал на премьере балета “Парад”, декорации были написаны Пикассо, и, когда занавес поднялся, в зрительном зале началась драка между сторонниками художника и его противниками. В 1956 году я был на ретроспективной выставке Пикассо в Париже; на улице возле музея, где помещалась выставка, люди спорили с таким ожесточением, что прибежали полицейские. Республиканская Испания, желая показал любовь испанского народа к Пикассо, назначила его директором знаменитого Музея Прадо. Народная Польша наградила его высоким орде ном, Гитлер приказал удалить его картины из музеев. Трумэн назвал его искусство “развращающим” и Черчилль, который на досуге занимается художественной самодеятельностью, пренебрежительно отозвался с живописи Пикассо. Дворец Гримальди в Анти превращен в музей Пикассо. В музеях почти всех столиц мира имеются залы, где собраны работы этого художника. Говорят, что его искусство понимают немногие. Имя его известно сотням миллионов людей. У него много друзей) него много и противников; одни его называют “буржуазным растлителем”, другие “формалистом”, третьи — “большевиком в искусстве”.

Пабло Пикассо родился в 1881 году в Малаге, на юге Испании. Еп отец, Хуан Руис, был художником и преподавателем рисования; он писал предпочтительно букеты сирени и голубей. Мальчик помогав отцу, который поручал ему иногда дорисовывать детали — лапки голубей. (Первые работы Пикассо подписывал “Руис-Пикассо”, а потом выбрал фамилию матери, которую звали Марией Пикассо.)

Отрочество Пикассо провел в Корунье и в Барселоне, учился в художественной школе, потом был принят в Мадриде в высшее художественное училище. Он ездил несколько раз в Париж, много думал о развитии живописи, издавал художественный журнал.

В 1904 году он решил поселиться в Париже, который привлекал его как художественный центр Европы. “В Париже я почувствовал себя свободным, — рассказывает он. — Живи Сезанн в Испании, его, наверно, расстреляли бы...” Он подружился с передовыми писателями топ времени — Аполлинером, Максом Жакобом, с художниками Матиссом Браком. С тех пор он живет во Франции.
Далее : http://www.library.by/portalus/modules/biographies/readme.php? subaction=showfull&id=1096279564&archive=&start_fr om=&ucat=1&
http://top100.rambler.ru/top100/

ПИКАССО, ПАБЛО
(Picasso, Pablo) (1881–1973) – французский живописец испанского происхождения. Родился 25 октября в Малаге (Испания). Основоположник кубизма. Самый известный художник XX в.
Ранние рисунки и этюды Пикассо, хранящиеся в музеях Барселоны, свидетельствуют о том, что художник очень рано овладел профессиональными навыками. В восемь лет создав своего Пикадора, он показал, что стал художником («В двенадцать лет я рисовал, как Рафаэль», – говорил Пикассо). Но тот Пикассо, который известен как одна из ярчайших личностей XX в., появился в 1906–1907, в момент крутых перемен, происходивших в мировом искусстве.
С 1901 по 1906 («голубой» и начало «розового» периода) живопись Пикассо представляет собой театрально-драматическую разновидность «народничества», в какой-то степени свойственного искусству его великих предшественников: Ван Гога и Сезанна, у которых это качество связано не столько с сюжетом, сколько с антисалонной направленностью. Оно выражается в специфическом огрублении живописной фактуры, «опрощении» стиля. Это было стремление, как писал Ван Гог</B>, «выразить в грубой манере суровую и грубую правду». Обращаясь к образам всеобщего и вечного, искусство новейшего времени все больше имеет дело не с личностью, а с личиной, маской – с человеком, представляющим не себя, но некое условное множество. Стремление к формулам, отображающим типическое, универсальное в искусстве, отвечает глубинным процессам европейской цивилизации на рубеже веков.
На представлениях о типическом образе, об универсальном методе, рациональном начале и «математическом», жестком построении основаны творческие эксперименты Пикассо, начатые им почти внезапно в конце «розового» периода и непосредственно предшествующие становлению кубизма.
В период исканий (1901–1907) Пикассо пишет Авиньонских девиц. Переход от сентиментализма «голубого» и «розового» периодов к инновациям, возникающим зимой и весной 1907 в этюдах к этой картине, во многом имеет контрастный характер. Присущие раннему эклектичному творчеству Пикассо мягкий колорит, правильные пропорции и пространственная перспектива, эмоциональная окрашенность и психологическая характеристика персонажей (это преимущественно простые люди: рабочие, странствующие актеры, нищие, калеки и т.п.) сменяются вариациями на тему человека, лишенного конкретных социальных, психологических и прочих характеристик: абстрактные статичные положения и позы, резкие, нарочитые цветовые сочетания, «неумелые» контуры фигур, асимметрия, ломаные линии, увеличенные, грубо заштрихованные детали, утрированно свободное обращение с пространственной перспективой и пропорциями.
Если докубистическая манера Пикассо поверхностно имитирует, пересказывает некоторые тривиальные идеи и направлена на достижение определенного эмоционального эффекта, то новый его подход отличается пристальным анализом, выявляющим пластические свойства самой натуры. Высокий уровень условности в работах Пикассо – результат все более глубокого изучения натуры и ее пластического осмысления. Каковы бы ни были намерения автора, результат этого пластического анализа и последующего синтеза, лаконичные конструкции, в которые он претворяет лица и фигуры своих моделей, – конкретный образ, соотносимый с тем, который, трансформируясь именно так, как это нам показывает художник (от человека «простого» к просто человеку), находится в начале XX в. в центре искусства, литературы, философии, идеологии.
Пикассо, вначале больше других отдавший дань модным темам, очень скоро и весьма остро ощутил, что живопись обладает собственными средствами для более глубокого анализа человека – «на элементарном уровне», – который был начат несколько раньше во французской поэзии, русской литературе, немецкой философии и австрийской психиатрии. В начале 1900-х в его живописи проявляется склонность к постановке ясной задачи, к решению философских проблем пластическими средствами, к концентрации изобразительных средств. Наряду с элементами стиля модерн (ср., например, в Странствующих гимнастах рисунок пальцев рук, завитков волос, характерный для этого стиля) в его работах появляются широкие плоскости, покрытые одним цветом, признаки статичности в лицах и фигурах. Соединение геометрических и человеческих фигур в Девочке на шаре (1905) делает эту картину прологом к тем инновациям, которые через два года войдут с кубизмом в мировое искусство.
Вместе с тем уже в работах «розового» периода и некоторых более ранних – таких, как Две сестры (1902), Странствующие гимнасты (1901) и другие, – проступает многое из того, что необходимо для развития магистральной линии кубизма. Однако нечто весьма важное до определенного момента отсутствует.
Можно сказать, что Пикассо знал, что он ищет, когда проводил время за изучением в Лувре греческой архаики, этрусского и египетского искусства, кикладских идолов и иберийской скульптуры. Перелом происходит в 1906. То, что его не удовлетворяет, что является предметом его исканий, уясняется в процессе работы над портретом Гертруды Стайн. Для этого портрета она позировала более восьмидесяти раз. «В один прекрасный день, – вспоминает писательница, – Пикассо переписал всю голову заново. „Я перестал вас видеть, когда смотрюна вас", – сказал он в ярости. И оставил работу над портретом».
Дальнейшая эволюция его творчества показывает, что то был момент радикального изменения и концепции изображения, и концепции человека. При этом ничто, кажется, не позволяет ответить однозначно на вопрос, какая из концепций – человека или искусства – первой претерпевает изменения. В это время он уже, очевидно, сознавал, что уходит дальше других в деятельности – в такой же мере разрушительной, как и созидательной.
Смена творческой установки выглядит как внедрение рационального начала в сферу интуитивного, эмоционального. Форма, которую теперь создает художник, не есть средство «остановить мгновенье», она становится самостоятельной структурой, существующей по своим законам. Эта форма не отражает непосредственно воспринимаемый облик вещей; в лучшем случае она как бы воссоздает их пластическую структуру. На смену формам, проецировавшим на искусство порядок природного мира, приходят формы, созданные самим художником.
Далее :http://www.krugosvet.ru/articles/106.../1010628a1.htm

http://www.krugosvet.ru/articles/106...mb/PH07541.jpg(24.36 Кб)
http://www.krugosvet.ru/articles/106...mb/PH02749.jpg(10.95 Кб)
http://www.krugosvet.ru/articles/106...mb/PH03322.jpg(28.91 Кб)
http://www.krugosvet.ru/articles/106...mb/PH07540.jpg(52.89 Кб)

Искать "ПИКАССО, ПАБЛО": Aport Google Yandex

Пикассо Пабло
http://www.agniart.ru/imgoods/2/012386/Picasso_30244.jpg
Изображая свою модель Пикассо упрощает и геометризирует каждую форму и объем, рассматривая их как некое геометрическое, замкнутое в себе тело. Привычная перспектива в картине отсутствует, и каждая деталь в ней изображена таким образом, будто существует сразу несколько точек обзора. Колористическое решение картины целиком отвечает поставленной цели. Цвет подчеркивает особенность строение каждой формы, становится условным, как бы «деревянным». Очевидно, в этом сказалось влияние африканской скульптуры, выставка которой в Париже сыграла немалую роль в возникновении кубизма. Рисунок в картине подчеркнуто акцентирован, так как его задача выделять и каждый замкнутый объем и общий силуэт. Четкая светотень подчеркивает тяжелый наклон головы женщины, ее с силой опирающуюся на колено руку, механически поднятую вторую руку с веером. И вот из сочетания геометризированных форм и движения возникает образ женщины, усталой и грустной, тяжело опустившейся в кресло. Кубистические произведения Пикассо – всегда эмоциональны, что их выделяет среди работ других художников этого направления.
Литература:
Альбом «Государственный Эрмитаж. Ленинград». Изд. «Изобразительное искусство». М. 1975
http://www.agniart.ru/imgoods/2/012386/Picasso_30015.jpg
Тема одинокой женщины за столиком кафе появилась в творчестве художника еще в Барселоне. В этой картине, написанной уже в Париже, отвергнуты все элементы импрессионизма. Картина похожа на витраж из-за сильного гибкого темного контура, охватывающего крупные цветовые планы. Кафе у Пикассо — прибежище бесприютных. У Иветт Гильбер, певицы, увековеченной Тулуз-Лотреком, есть описание подобного кафе: «Вот они — как сейчас их вижу — эти веселые комики, эксцентрические танцовщики и танцовщицы, певицы и певцы, которые вечером будут забавлять толпу песенками, остротами и кривляньем и вызывать, может быть, зависть к своему беззаботному и веселому житью; вот они, бледные, изможденные, с усталыми глазами, голодные, холодные и больные, с отпечатком страдания и горя на лице. Каждый день они приходят в «Кафе де ла Шартрез» в надежде получить ангажемент, наткнуться на импрессарио... Женщин здесь также много. Бледные при ярком дневном свете, с натянутой и застывшей улыбкой на губах, накрашенные и напудренные дешевой пудрой, с подведенными глазами, они тоже ждут какого-нибудь антрепренера, к услугам которого они предлагают остатки своего пропадающего голоса и уходящей молодости».
http://www.agniart.ru/imgoods/2/012386/Picasso_30243.jpg
Зимой 1904—1905 годов Пикассо работал над огромным полотном, изображающим бродячих цирковых артистов. Картина неоднократно переписывалась. Сейчас она известна, как основная работа «розового» периода — «Семейство бродячих комедиантов» (Национальная галерея, Вашингтон). Фигура мальчика — этюд к этой работе. Он наиболее близок к гуаши «Два акробата с собакой» (Музей современного искусства, Нью-Йорк), которую принято считать прямым откликом на стихотворение Бодлера «Добрые псы»: «Я воспеваю грязного пса, бедного пса, бездомного пса, пса-бродягу, пса-комедианта, пса, инстинкт которого, подобно инстинкту бедняка, цыгана и уличного акробата, так удивительно обострен нуждой, этой доброй матерью, истинной покровительницей разума».

Эмиль Нолдe
http://www.nolde-stiftung.de/UPLOAD/...lde_01_1v2.jpg
http://www.nolde-stiftung.de/UPLOAD/...rlin01_1v2.jpg
Эмиль Нолдe рожден в деревне около Tondern в 1867. Первоначально обученный, поскольку деревянный резчик, Nolde в 1894 рисует ряд открытки, в котором он изображает горы с человеческими особенностями. Доходы от продажи ряда открытки позволяют Nolde стать живописцем. Нолдe женится на датской актрисе Аде Вилстрап в 1902. Он присоединяется к движению художников "Brьcke" на 1906 и 1907. Нолд и его жена проводят летние месяцы на остров Alsen в Балтийском море и живой в Берлине в течение зимнего времени. В 1913/14 пара присоединяется к экспедиции в Моря Юга. Они двигаются в Seebьll в 1927, где Нолд проектирует и дом и сад. Национальные Социалисты объявляют Нолд, за которым выродившийся художник в 1937, запрещение, чтобы красить следует в 1941. Нолд тайно продолжает воздействовать на акварель и заканчивает 1 300 из этих "непокрашенных картин". После войны Нолд получает многочисленные вознаграждения. Он умирает в Seebьll в 1956. Дело фонда Stiftung Seebьll Ада und Эмиль Нолд foms часть желания художника.
http://www.nolde-stiftung.de/UPLOAD/...lde_01_2v2.jpg
Эмиль Нолдe близко связан с Берлином через его биографию и его ouvre. С 1905 вперед, Нолдe проводил зимние месяцы в Берлине и имел квартиру студии сначала в Tauentzien и позже в Bayernallee в районе Westend. "Каждый вечер около 23:00. Я надевал мои темные брюки и хвосты от C-. Gallen ", Нолд отметил в автобиографии в 1911. "Моя дорогая Ада надевает ее самую прекрасную одежду, и вместе мы пошли в замаскированные шары, кабаре и Eispalast. "
В 2007 Нолд Stiftung Seebьll откроет его Берлинское расширение, чтобы соблюдать близкую связь между Нолдe и Берлинom. Две themed выставки будут на представлении(виде) каждый год. Берлинское расширение Фонда Нолд Seebьll предложит уникальную возможность наслаждаться произведениями искусства славы вне больших музеев и залов выставки Берлина.
#ebene1_4{ margin: 0; padding: 0 0 0 0;}#ebene1_4 UL{ list-style: none; margin: 0; padding: 0; border: none;}#ebene1_4 LI{display: block;margin: 0;padding: 0;float: left;width: auto;}#ebene1_4 A{text-indent:3px;color: #999999;display: block;width: auto;text-decoration: none;margin: 0;line-height:16px;font-family : Verdana, Arial, Helvetica, sans-serif;}#ebene1_4 DIV{text-indent:3px;color: #999999;display: block;width: auto;text-decoration: none;margin: 0;line-height:16px;font-family : Verdana, Arial, Helvetica, sans-serif;}#ebene1_4 A:hover, #ebene1_4 A:active {color: #000000;text-decoration: none;}#ebene1_4markeds a {color: #000000;text-decoration: none; }#ebene1_4markeds a {color: #000000;text-decoration: none; }http://www.nolde-stiftung.de/UPLOAD/...lles03_2v2.jpg

Из Русских нравиться Врубель А их зарубежных Борис Валеджо[link]

KOMAR & MELAMID, Vitalii & Aleksandr
Matching ads for KOMAR & MELAMID
http://img1.artprice.com/img/classif...0/190561_1.jpg
From artprice

Рене Магритт
http://www.staratel.com/pictures/magritte/pic5.jpg

предыдущая следующая

1 2 3 4 5 6 7 8 9 10 11 12 13 14 15
16 17 18 19 20 21 22 23 24 25 26 27

Любовь: Ошибка и Эрос
16 мая 1998 - 30 мая 1999
Curated Джоном Мэйзелсом и Мэгги Мэйзелсом,
создатели и основатели Сырого Видения: международный Журнал Обладающих интуицией и Провидец Арт.

Alex Grey, Oil on linen:
http://www.avam.org/exhibitions/images/eros.jpg
Истинная Любовь
Истинная Любовь включает работы, которые отражают выносящее качество любви в его самый теплый и самый оптимистический - глубокая чувствовавшая привязанность одного человека к другому. Основной момент этого секции - Установка Любви, созданная Данилл Джаккуи, один из ведущих огней группы самопреподанных художников из Прованса в южной Франции. Называя(вызывая) их непосредственно артисты singuliers, это - вероятно единственная ассоциация самопреподанных художников уже существующих. Такие художники обычно работают в полной изоляции от других, но выставки группы вместе, и ее члены поддерживают друг друга в их усилиях. Большая работа Данилл Джаккуи, основанная в значительной степени на ее навыках вышивки, является празднованием истинной любви, fronted экстраординарным свадебным платьем, которое она кропотливо создала. Другие члены артистов singuliers также показаны в музее. Раймонд Реяуд, первоначальный(оригинальный) основатель группы, представлен в соответствии с тремя из его запутанных и чувственных составов, в то время как Моник Гутт, которая была вдохновлена Reynaud непосредственно, выражает более юмористический и радостный подход.
http://www.avam.org/exhibitions/love.html

Otto Friedrich Meyer-Amden,
20.2.1885 Bern, ?- 15.1.1933 Zьrich.
http://www.adhikara.com/Amden/Otto_M..._disegno_1.jpg
http://www.adhikara.com/otto-meyer-amden/index.html

Добро пожаловать в Галерею!

Галерея Сети Искусства -
виртуальный музей и доступная для поиска база данных живописи европейца и скульптуры от 12-ого до середины 19-ых столетий. Это было начато в 1996 как актуальный сайт искусства Ренессанса, произошел в итальянских городах - государствах 14-ого столетия и распространялся к другим странам в 15-ых и 16-ых столетиях. Намереваясь представлять искусство Ренессанса настолько всесторонне насколько возможно, возможности собрания были позже расширены, чтобы показать его Средневековые корни так же как его развитие к Причудливому и Рококо через Особенность. Позже периоды Неоклассицизма и Романтизма были также включены.

Собрание имеет некоторые из характеристик виртуального музея. Опыт посетителей увеличен управляемым Туром, помогающим понять артистические и исторические отношения между различными работами и художниками, музыкой периода выбора на заднем плане и свободного обслуживания открытки. В то же самое время собрание обслуживает потребность посетителей в сайте, где различная информация относительно искусства, художников и истории может быть найдена вместе с передачей иллюстрированных иллюстраций. Хотя не обычный, собрание - доступная для поиска база данных, добавленная глоссарием, содержащим статьи относительно художественных условий, уместных исторических событий, персонажей, городов, музеев и церквей.

http://www.wga.hu/support/jpg/allegory.jpg
Artist Index
http://www.wga.hu/index1.html

Leonardo da Vinci
Study of an Old Man's Profile
http://www.huntfor.com/absoluteig/ga...Fvinci16%2Ejpg
Saint John the Baptist
http://www.huntfor.com/absoluteig/ga...2Fvinci1%2Ejpg
Drawing of an Assault Chariot with Scythes
http://www.huntfor.com/absoluteig/ga...Fvinci10%2Ejpg
Portrait of Cecilia Gallarani (Lady with an Ermine)
http://www.huntfor.com/absoluteig/ga...Fvinci11%2Ejpg
Portrait of Ginerva de' Benci
http://www.huntfor.com/absoluteig/ga...Fvinci12%2Ejpg
Drawing of a Woman's Head
http://www.huntfor.com/absoluteig/ga...Fvinci13%2Ejpg
Virgin of the Rocks
http://www.huntfor.com/absoluteig/ga...Fvinci14%2Ejpg
Drawing of the face of the angel from The Virgin of the Rocks
http://www.huntfor.com/absoluteig/ga...Fvinci15%2Ejpg

Сандро Ботичелли*Sandro Botticelli
1445 Флоренция - 17.05.1510 Флоренция

Из истории живописи:
Возрождение
Картины Сандро Ботичелли
[84 картины]

Краткая информация:

итальянский живописец. Представитель Раннего Возрождения. Был близок ко двору Медичи и гуманистическим кругам Флоренции. Произведения на религиозные и мифологические темы («Весна», около 1477-1478; «Рождение Венеры», около 1483-1484) отмечены одухотворенной поэзией, игрой линейных ритмов, тонким колоритом. Под влиянием социальных потрясений 1490-х годов искусство Боттичелли становится напряженно-драматическим («Клевета», после 1495). Рисунки к «Божественной комедии» Данте, острохарактерные изящные портреты («Джулиано Медичи»).

Биография Сандро Ботичелли

Алессандро ди Мариано Филипепи родился в 1445 году во Флоренции, в семье кожевника Мариано ди Ванни Филипепи и его жены Смеральды. После смерти отца главой семьи стал старший брат, зажиточный биржевой делец, прозванный Боттичелли («Бочонок»), то ли из-за округлой фигуры, то ли из-за невоздержанности к вину. Это прозвище распространилось и на других братьев. (Джованни, Антонио и Симоне ) Братья Филипепи получили начальное образование в доминиканском монастыре Санта Мария Новелла, для которого Боттичели, позже, выполнял работы. Сначала, будущего художника, вместе со средним братом Антонио, отдали учиться ювелирному мастерству. Искусство ювелира, профессия уважаемая в середине 15-го столетия, многому научила его. Четкость контурных линий и умелое применение золота, приобретенное им в бытность ювелиром, навсегда останутся в творчестве художника. Антонио стал хоршим ювелиром, а Алессандро окончив курс обучения, увлекся живописью и решил посвятить себя ей. Семья Филипепи пользовалась уважением в городе, что, позже, обеспечилo его внушительными связями. По соседству жила семья Веспуччи. Один из них, Америго Веспуччи (1454-1512), известный торговец и исследователь, именем которого названа Америка. В 1461-62г по совету Джорджа Антонио Веспуччи, он был послан в мастерскую прославленного художника Филиппо Липпи, в Прато, город в 20км от Флоренции. В 1467-68г, после смерти Липпи, Боттичелли возвращается во Флоренцию, многому научившись у учителя. Во Флоренции молодой художник, учась у Андрео де Верроккио, где в это же время учится Леонардо да Винчи, становится известным. К этому периоду относятся первые самостоятельные работы художника, с 1469 года работавшего в доме отца.
Полностью :
http://www.museum-online.ru/Renaissa...ro_Botticelli/